Music Lovers　

2026年3月25日

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🇺🇲　第2章｜「シャレード」「タッチ・オブ・イービル」「テン」——Blake Edwardsを超えた、Manciniの全貌〜｜RCAと90枚のアルバム——イージーリスニングの帝王として世界を席巻した音楽人生

「ムーン・リバー」と「ピンク・パンサーのテーマ」が世界に届いた1960年代初頭、Henry Manciniの音楽的冒険は本格的に始まったばかりだった。第1章で辿った「クリーブランドの少年からハリウッドへ」の旅は、実はManciniの全キャリアのほんの序章に過ぎない。彼はその後30年以上にわたって、映画音楽、テレビ音楽、アルバム録音、コンサート活動という四つのフィールドで、同時に頂点を走り続けた。その全体像を第2章で追う。 🐘 「ハタリ!」と「ベイビー・エレファント・ウォーク」——Manciniの幅広さを示す一曲 1962年、Blake Edwardsではない監督との仕事が、Manciniの音楽的な幅広さを世界に示した。 Howard Hawks監督のアフリカ冒険映画「ハタリ!（Hatari!）」——スワヒリ語で「危険」を意味するこの映画は、ジョン・ウェイン主演で、アフリカの大地を舞台に動物捕獲者たちの物語を描いた作品だ。この映画のスコアの中に、「ベイビー・エレファント・ウォーク（Baby Elephant Walk）」という曲がある。小象が列を作って歩くシーンのために書かれたこの曲は、チューバの低音とクラリネットの軽快なメロディが絡み合う、ユーモラスで愛らしい小品だ。しかしこの「小品」が、世界中で独立したヒット曲として広まった。ジャズのグルーヴとサーカス音楽的なユーモアを組み合わせた独特のサウンドは、CMや子供向けの番組でも頻繁に使われ、今日でも世界中の人々が「あのメロディ」を口ずさむことができる。グラミー賞「最優秀器楽編曲賞」を受賞したこの曲は、Manciniが「シリアスな感情」だけでなく「喜びとユーモア」の音楽も、同じ高いクオリティで書けることを証明した一例だ。 🎭 「シャレード」——オードリーとケーリー・グラントが踊った音楽 1963年、Manciniはもう一人の重要な監督と出会った。スタンレー・ドーネン——「雨に唄えば」「パジャマゲーム」などのミュージカル映画で名を馳せた監督だ。ドーネンとManciniのコラボレーションは、最初の「シャレード（Charade）」から始まり、「アラベスク」「いつも二人で（Two for the Road）」など複数の作品にわたった。「シャレード」はオードリー・ヘプバーンとケーリー・グラントが主演するロマンティックサスペンスだ。パリを舞台にした洗練されたストーリーに、Manciniは「パリらしさ」と「スパイ映画のスリル」を同時に体現するスコアを書いた。タイトル曲「シャレード」はアカデミー賞「最優秀オリジナル歌曲賞」にノミネートされた。曲の洗練されたジャズのコード感覚と、どこかノスタルジックなメロディーは、パリの街角の空気をそのまま音楽に閉じ込めたような完成度を持っている。「いつも二人で（Two for the Road）」（1967年）では、オードリー・ヘプバーンとアルバート・フィニーが主演した夫婦の回想録を、Manciniはビートルズ以降のポップミュージックの影響を取り入れた、より現代的なサウンドで描いた。これはManciniが「時代の変化」を音楽に取り込む柔軟性を持っていたことを示す好例だ。 🎯 「タッチ・オブ・イービル」——オーソン・ウェルズとの異色の出会い Manciniのキャリアの中で、最も意外な組み合わせの一つが、1958年の「タッチ・オブ・イービル（Touch of Evil）」だ。監督はオーソン・ウェルズ——「市民ケーン」を作った、映画史上最も革新的な監督の一人。この映画はメキシコとアメリカの国境を舞台にした、暗く複雑な犯罪ドラマだ。 Manciniはこの映画のスコアで、ラテン音楽の要素を大胆に取り入れた。ママンボのリズム、マリアッチ風のトランペット、そして緊張感を高めるパーカッション——これらが映画の冒頭の長回しのシーンから流れることで、国境という場所の混沌と危険を音楽で表現した。この仕事はManciniがユニバーサルのスタッフとして在籍していた時代の集大成とも言える作品であり、Rotten Tomatoesの批評家評価で100%を獲得した「Experiment in Terror」（1962年）と並ぶ、Manciniの映画音楽家としての最高傑作の一つに数えられる。 🌹 「ローマの休日」——オードリーとの長い縁 Manciniとオードリー・ヘプバーンの関係は、「ティファニーで朝食を」だけにとどまらなかった。 1967年の「いつも2人で（Two for the Road）」でも共演した後、1979年の「ブルーミング」でも仕事をともにした。しかしその中で特に記憶すべきは、二人の最後のコラボレーションとなった1979年の「続・ピンクパンサー（The Return of the Pink Panther）」ではなく、オードリーの長年の音楽的パートナーとしてManciniが果たした役割だ。オードリーはManciniについてこう語っている——「彼は俺のためだけに書いた（He wrote just for me）。彼の音楽は私の声と私の感情の両方を理解していた」。二人は長年の友情を育んだ。Manciniがコンサートを行う際、オードリーが客席にいることは珍しくなかった。「ムーン・リバー」が演奏されるたびに、二人の間に流れる特別な感情があったと、当時の関係者は語っている。 🏆 アカデミー賞4冠の全記録——映画音楽の殿堂 Henry Manciniのアカデミー賞受賞歴を整理すると、その偉大さの輪郭が見えてくる。第1回受賞（1962年）：「ティファニーで朝食を」——最優秀ドラマ・コメディ映画音楽賞第2回受賞（1962年）：「ムーン・リバー」——最優秀オリジナル歌曲賞第3回受賞（1963年）：「酒とバラの日々」——最優秀オリジナル歌曲賞第4回受賞（1983年）：「Victor Victoria」——最優秀オリジナル音楽スコア賞ノミネート回数は18回。受賞4回。受賞率は約22%——これは映画音楽の世界では非常に高い数字だ。 ...

🏴󠁧󠁢󠁥󠁮󠁧󠁿　underneath the Mango tree

1962, movie- 007 , Dr No （soundtrack）− Monty Norman , Songwriter：Monty Norman , John Barry , 🥭🍌🍊 the lovers are filled with happiness as they wait for the moon to rise 🌙　under the Mango tree , the lyrics of this song are heartwarming and make me feel happy , ☘️　Swiss actress , Ursula Andress , Honey Ryder sings this song in the scene where she comes out of the sea 🎵 she has good proportion and wild beauty ❕ 映画、007 ドクター　ノオの中で、ハニーライダー（ウルスラ　アンドレス）が、海から浜辺にあがってくるシーンで、この🎵マンゴーの木の下で、を歌ってました、スイスの女優さんで、プロポーションのいい、野性的な美しさを持った女優さんです。映画のロケ地は、ジャマイカで、トリニダード・トバゴも近い場所です、 🎵ほのぼのとした、歌詞で幸せな気分になります🐬 マンゴー、バナナ、タンジェリン、 🥭🍌🍊　の　tangerine は日本の温州みかん🍊に近い種の柑橘だそうです。私は、恥ずかしながら、この温州という漢字を、ずっと、‘おんしゅう’　と読んでました😥。　‘うんしゅう’ だそうです🎸

🇺🇲　Beyond The Green Silence

🫒 いつもブログを読んでくださる皆様へ、心からの感謝を込めて。 To all my dear readers, thank you from the bottom of my heart. 先日出版したスティーヴィー・ワンダーの電子書籍ですが、X（Twitter）での告知後、わずか10日間で多くの反響(リンクを開いて)をいただいております。ありがとうございます。 Since the release of my eBook on Stevie Wonder, the response on X has been truly overwhelming in just 10 days. 若き日の私には難解だったあの音が、40年を経て今、魂を震わせる「地球の鼓動」として蘇りました。その深淵を全20曲の徹底解説で紐解いた一冊です。 The sound that was once a mystery to my younger self has now, 40 years later, resonated with my soul. This book decodes that "heartbeat of the Earth" through a track-by-track analysis. 【皆様へ、ささやかなお願い / A Small Favor to Ask】現在、この本をさらに世界中の音楽ファンに届けるための挑戦をしています。もしよろしければ、Amazonのページで**「ほしい物リスト（Wish List）」**に追加して応援していただけないでしょうか。 I am currently on a mission to share this story with music lovers worldwide. If ...

🇺🇲　第2章｜試練と復活——クイーン・オブ・ソウルの後半生と永遠の遺産〜｜「Jump to It」から「Who's Zoomin' Who?」まで——何度でも蘇るArethaの不屈

1967年から1968年にかけての黄金時代の後、Arethaのキャリアは複雑な道を歩んだ。「Respect」「I Never Loved a Man」「Natural Woman」——これらの曲で世界を変えた後、Arethaは「頂点の後」という、あらゆる偉大なアーティストが直面する課題と向き合うことになった。しかしArethaの物語が単純な「栄光と衰退」の物語でないのは、彼女が何度も「蘇る」アーティストだったからだ。第2章では、1970年代の試練、1980年代の驚異的なカムバック、そして2018年の死に至るまでの、クイーン・オブ・ソウルの後半生を辿る。 🌊 1970年代の試練——Atlantic後期と低迷期 1960年代後半の爆発的な成功の後、1970年代のArethaのキャリアは起伏が激しかった。 1970年代前半は依然として輝いていた。「Don't Play That Song」「Bridge Over Troubled Water」——1970年代初期の録音には、全盛期の輝きが残っていた。特に1972年のフィルモア・ウェスト公演（「Aretha Live at Fillmore West」）は、ロックのメッカで行われたArethaのライブとして語り継がれる傑作だ。会場にいたRay Charlesがステージに飛び入りしたエピソードも有名だ。同年の「Amazing Grace」というゴスペル・アルバムが彼女のキャリア最大のヒットとなったことは第1章で触れた通りだが、その直後から状況は変化し始めた。テッド・ホワイトとの離婚（1969年）、私生活の混乱、そしてAtlantic Recordsとの創作上の方向性のすれ違い——これらが複合して、1970年代中盤以降のArethaの音楽は、批評家から「以前ほどの切迫感がない」と評されるようになっていった。 1976年の映画「スパークル（Sparkle）」のサウンドトラック制作でCurtis Mayfieldとコラボレーションし、一時的な注目を集めたが、1970年代後半のアルバム「Sweet Passion」「Almighty Fire」「La Diva」は商業的にも批評的にも振るわなかった。 1979年、ArethaDはAtlantic Recordsを去った。17年間在籍したレーベルとの別れ——しかしそれは終わりではなかった。この低迷期についてArethaはこう語っている——「私は何度も壁に当たった。しかし私には、歌うことしかできない。歌い続けることが、私の答えだった」。 💃 「Jump to It」——Clive Davisとの再起 1980年、ArethaDはArista RecordsのClive Davisと契約した。 Clive Davisといえば、アメリカ音楽業界最大の功績を持つプロデューサー・経営者の一人だ。Janis Joplin、Bruce Springsteen、Barry Manilow、そして後にWhitney Houstonを発掘した人物。このDavisがArethaに「もう一度、本当の自分を世界に見せる機会を与えたい」と言った。最初のArista時代のアルバム「Aretha」（1980年）は、現代的なR&Bサウンドへの適応を試みたが、まだ突破口とはならなかった。真のカムバックは1982年の「Jump to It」で訪れた。プロデューサーはLuther Vandrossだった。当時Vandrossはソロアーティストとしてデビューしたばかりの新進気鋭の存在だったが、ArethaDへの愛情と敬意は深く、彼女のために全力を尽くした。「Jump to It」はR&Bチャートで1位を獲得。アルバムは最高23位を記録した。サウンドは1980年代のコンテンポラリーR&Bの洗練されたプロダクションを持ちながら、Arethaの声の力はいささかも衰えていなかった。 1983年の「Get It Right」もLuther Vandrossのプロデュースで、こちらもR&Bチャートで1位を獲得した。このVandrossとのコラボレーションが示したのは、Arethaが「時代のサウンド」に適応しながらも、自分の「声の本質」を失わない能力を持っているということだ。どんなプロダクションに包まれても、Arethaの声はArethaの声だ——その不変性が、彼女を時代を超えるアーティストにした。あなたはArethaの1980年代の楽曲を聴いたことがありますか？1960年代とは違う、あの時代ならではの輝きがあります。 👑 「Who's Zoomin' Who?」——1985年の驚異的なカムバック 1985年の「Who's Zoomin' Who?」は、Arethaのキャリアの中で最も重要なカムバック・アルバムの一つだ。 ...

🇺🇲　第2章｜どんな山も、私を止められない——Diana Rossのソロ時代と、82歳の現在まで〜｜「Upside Down」から「Endless Love」まで——ディスコの女王が、Motownを去った日

2026年5月、82歳のダイアナ・ロスが、11年ぶりに日本のステージに立った。横浜のKアリーナと、28年ぶりの大阪城ホール。団地の少女が足を踏み鳴らして歌い始めてから、60年以上。その声が、いまも海を越えて、人々を集めている。第1章では、ブリュースター団地から「ノーヒット・スプリームス」を経て、12曲の全米No.1を放ち、1970年1月にラスベガスのステージを降りるまでを辿った。第2章は、その続きだ。「三人」から「一人」になった彼女が、どんな山を越えてきたのか。映画、ディスコ、巨大な野外コンサート、古い友人との確執、そして80歳を超えた現在まで。ここでもまた、栄光の物語は、平坦な道のりではなかった。ソロに転じた彼女が最初に出した曲の題名は、「Reach Out and Touch」。二曲目は、「Ain't No Mountain High Enough」——どんな山も、私を止められない。その言葉通りの旅を、順に追ってみたい。 🏔️ 「Ain't No Mountain High Enough」——1970年、ソロ第一歩で全米1位 1970年1月14日の別れのステージから6日後、ダイアナ・ロスは、スタジオにいた。最初のソロ・シングル「Reach Out and Touch (Somebody's Hand)」を録音するために。ベリー・ゴーディは、彼女のソロ転向を、何年も前から見据えていた。「ダイアナ・ロス＆ザ・スプリームス」という名前に変えた日から、彼の計画は、静かに、確かに、進んでいたのだと思う。 4月に発売されたこのシングルは、全米20位。悪くない数字だけれど、「スプリームスのダイアナ」を知る人々の期待に、まだ十分に応えたとは言えなかった。そこでゴーディが、彼女のために選んだのが、ニコラス・アシュフォードとヴァレリー・シンプソンのコンビだった。ソングライター兼プロデューサーとして、のちに「アシュフォード＆シンプソン」の名前で知られる二人は、ダイアナの最初のソロ・アルバムを手がけることになる。そのアルバムの中核になったのが、「Ain't No Mountain High Enough」だ。もともとは、1967年にマーヴィン・ゲイとタミー・テレルが歌った、二人の掛け合いのデュエット曲。それを、アシュフォード＆シンプソンは、ダイアナが一人で歌う形へと、大胆に作り替えた。冒頭は、囁くような語り——ダイアナが、静かに「聴いて」と語りかける部分から始まる。オーケストラが少しずつ盛り上がり、やがて、一気に高みへと開けていく。アルバム版は6分を超える長い曲で、まるで一本の映画のような構成を持っている。ところが、ゴーディは、この曲をシングルとして出すことに、乗り気ではなかったと言われる。しかし、ラジオのDJたちが、アルバムの中でこの曲だけを繰り返し流し始めた。リスナーの反応が、会社の判断を追い越していく。短く編集されたシングル版は、1970年9月、ついに全米1位に上りつめ、3週間、その座に居続けた。グラミー賞にもノミネートされたが、ディオンヌ・ワーウィックの「I'll Never Fall in Love Again」に賞を譲った。この曲の魅力は、何度聴いても、その「開放感」にある。どんな山も、どんな谷も、どんな川も、あなたのもとへ行くのを止められない、という愛の歌。けれど、1970年のダイアナが歌うと、それは別の意味を帯びて聴こえる。スプリームスという巨大な看板を降りた女性が、「どんな山も、私を止められない」と、一人で歌い上げているのだ。恋人に向けた歌が、そのまま、自分自身への宣言になる。私はこの曲を、「ソロ・ダイアナの産声」として聴いている。最初の二年ほどのあいだに、ダイアナは、立て続けにアルバムを出した。1970年の『Diana Ross』、同じ年の『Everything Is Everything』、そして1971年の『Surrender』。ソロ・アーティストとしての「自分の声」を探すように、彼女は、ソウルも、ポップも、さまざまなスタイルを次々と試した。スプリームスの「型」から解き放たれた自由と、「一人で立つ」不安。その両方が、この時期のレコードの端々に、かすかに揺れているように思う。 1971年には、「I'm Still Waiting」が、彼女にとって初めての全英1位に輝いた。団地の少女から、一人の「世界の歌手」へ。その歩みの最初の一歩が、こうして鮮やかに踏み出された。同じ頃、彼女は初めてのソロ・テレビ特番『Diana!』にも出演し、レコードだけでなく、映像の世界にも、少しずつ領域を広げていく。ゴーディの頭の中には、すでに、次の大きな計画があった。 🎬 『Lady Sings the Blues』——ビリー・ホリデイを演じた女優ダイアナゴーディの野心は、レコード会社の枠に収まらなかった。彼は、モータウンの映画部門を立ち上げ、その最初のスターとして、ダイアナを据えようとしていた。企画されたのは、伝説的なジャズ歌手ビリー・ホリデイの半生を描く映画『Lady Sings the Blues』（1972年）。彼女にとって、初めての映画出演であり、しかも歴史に残る歌手の役だった。ビリー・ホリデイは、貧しさと差別と薬物依存の中で、ジャズの歴史に消えない声を残した人物だ。それを、スプリームスの少女、モータウンのポップ・スターが演じる。当時、多くの人が、その挑戦を危ぶんだと言われる。けれどダイアナは、ビリー・ホリデイを「真似する」のではなく、彼女の歌の魂を、自分自身の声と身体で「生きる」ことを選んだ。結果は、驚くべきものだった。映画は評価され、ダイアナはゴールデン・グローブ賞を受賞し、アカデミー賞の主演女優賞にノミネートされた。サウンドトラック・アルバムは、全米アルバム・チャートで1位に上りつめ、彼女のキャリアで唯一の、ソロ名義でのアルバム1位となった。スプリームス時代の「ガール・ポップ」の少女が、ビリー・ホリデイの暗く深い世界を歌って、観客を圧倒した。ここで、私は、ダイアナ・ロスという人の本質について、あらためて考えさせられる。彼女は「歌手」であると同時に、「演じる人」でもある。三人組のステージで、カメラの前で培った、「見られること」への鋭い感覚。それが、スクリーンの上で、初めて全面的に花開いた。ビリー・ホリデイを演じることは、スプリームスの優等生的なイメージから、自分を解き放つ試みでもあったのだと思う。 ...

🇺🇲　エリザベス・ニコルズ『Trailer Treasure』解説：22歳の新星が描く、年収よりも大切な「革の手と黄金の心」の物語

🇺🇲　Elizabeth Nichols’ "Trailer Treasure": A 22-Year-Old Prodigy Redefining Blue-Collar Romance with a Heart of Gold

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