みんなの思い出の音楽

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: 🇺🇲　第1章｜ミネアポリスの神童——Princeという宇宙の誕生〜｜「Purple Rain」が映画と音楽と伝説を一つにした夜

2026/10/6

「When Doves Cry」が流れてきた瞬間、何かが違うと感じた。ベースがない。ドラムマシンとギターと声だけ——それだけで、これほど豊かな音楽の空間が生まれるのか、と。初めて聴いたとき、その「空白」が音楽として届いた瞬間の不思議さを今も覚えている。 Princeという音楽家は、「あるべきもの」を取り除くことで、音楽に別の次元を開いた。ベースを抜く。コードを壊す。ジャンルの壁を無視する——その姿勢が、1980年代のポップ・ミュージックを根底から変えた。あなたにとってPrinceの音楽との最初の出会いは、どの曲でしたか？ 🎹 ミネアポリスの神童——Princeの誕生と音楽的覚醒 1958年6月7日、ミネソタ州ミネアポリス。 Prince Rogers Nelsonは、ミネアポリスのマウント・サイナイ病院でこの世に生まれた。父のJohn Lewis Nelsonはジャズピアニスト兼ソングライターで、そのステージネームが「Prince Rogers」——息子はそのままその名を受け継いだ。母のMattie Della Shawはジャズシンガーで、「Prince Rogers Trio」のボーカルを務めていた。つまりPrinceは、音楽の中に生まれた。しかし誕生からの道のりは、決して平坦ではなかった。Princeは幼い頃、てんかんを患っていた。発作が繰り返される中で、母親は「あなたは特別な存在だ。神様がいつも守ってくれている」と言い聞かせたという。Princeは後に2009年のインタビューで、てんかんについて公に語っている——そして、てんかんへの不安がパフォーマーになることへの動機の一つだったとも述べている。子供が自分の「違い」を力に変えるとき、それは時として偉大な芸術の源泉になる。両親が離婚したのは、Princeが10歳のときだ。父の家と母の家を行き来する生活が始まった。この不安定な家庭環境の中で、Princeが最も安らぎを見つけた場所が音楽だった。父が置いていったピアノに向かい、独学で音を探し続けた。 7歳のとき、Princeは父のピアノで初めての曲を書いた。タイトルは「Funk Machine（ファンク・マシーン）」——7歳の少年が「ファンク」を曲名に選ぶという事実が、すでにこの人物の本質を示している。父に家を追い出された後、Princeは隣人のAnderson家の地下室に引っ越した。そこでAndersonの息子André（後のAndré Cymone、Princeの最初のバンドメンバーの一人）とともに音楽を作り続けた。この地下室が、Princeの最初のスタジオだった——防音も機材も最低限のその空間で、Princeはギター、ドラム、ベース、キーボードを次々と習得していった。父はPrinceにギターを買い与えた。そのギターが、彼の人生を変えた。しかしPrinceはギター一本では満足しなかった。彼はすべての楽器を知りたかった——ドラムを叩き、ベースを弾き、キーボードを押し、ありとあらゆる音を自分の手で作り出したかった。この「全部自分でやる」という衝動が、後のPrinceの音楽の核心になる。 🎓 全楽器を一人で演奏——Warner Bros.との契約と衝撃のデビュー 17歳のPrinceは、すでにミネアポリスの音楽シーンで注目を集めていた。 1975年3月、Princeは最初のバンド「Grand Central」とともに最初のデモ音源を録音した。このバンドはやがて「Champagne」と名前を変えるが、Princeのソロとしての才能はバンドの枠をはみ出していた。地元の音楽家Pepe Willie（ペペ・ウィリー）のバンド「94 East」に参加し、セッションミュージシャンとしての経験を積みながら、Princeは自分のデモ音源を完成させていった。そのデモがニューヨークの音楽業界に届いたとき、複数のレーベルが興味を示した。 Warner Bros.はPrinceに破格の条件を提示した——「自分で全プロデュースしていい」という条項付きで。当時、新人アーティストにこのような完全な創作コントロールを与えることは極めて異例だった。Warner Brosの担当者たちは、このミネアポリスの少年の音楽的な自立性を、最初から信頼した。 18歳（一部の発表では17歳とも言われたが実際は18歳）でWarner Bros.と契約を結んだPrinceは、1978年4月7日にデビューアルバム「For You」をリリースした。このアルバムで、Princeは驚くべきことをやってのけた——収録された全27曲のすべての楽器を、一人で演奏したのだ。ギター、ベース、ドラム、キーボード、シンセサイザー、パーカッション——すべてPrinceの手によるものだ。「For You」は商業的には地味な滑り出しだったが、その制作方法は音楽業界に衝撃を与えた。「一人のアーティストがすべての楽器を演奏する」ことは不可能ではなかったが、これほどの完成度でデビューアルバムをそれで仕上げた例は、ほとんどなかった。翌1979年の自タイトルアルバム「Prince」は、より明確な商業的成功を収めた。シングル「I ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | Trial and Revival: The Queen of Soul's Second Half and an Eternal Legacy 〜 | From "Jump to It" to "Who's Zoomin' Who?" — Aretha's Indestructible Power to Rise Again

2026/10/5

After the golden years of 1967 and 1968, Aretha Franklin's career walked a complex road. "Respect," "I Never Loved a Man," "Natural Woman" — having changed the world with these songs, Aretha faced the challenge that every great artist eventually confronts: what comes after the summit. But the reason her story is not a simple narrative of glory followed by decline is that she was an artist who returned, again and again. Chapter 2 follows the second half of the Queen of Soul's life: the trials of the 1970s, the remarkable comeback of the 1980s, ...

: 🇺🇲　第2章｜試練と復活——クイーン・オブ・ソウルの後半生と永遠の遺産〜｜「Jump to It」から「Who's Zoomin' Who?」まで——何度でも蘇るArethaの不屈

2026/10/4

1967年から1968年にかけての黄金時代の後、Arethaのキャリアは複雑な道を歩んだ。「Respect」「I Never Loved a Man」「Natural Woman」——これらの曲で世界を変えた後、Arethaは「頂点の後」という、あらゆる偉大なアーティストが直面する課題と向き合うことになった。しかしArethaの物語が単純な「栄光と衰退」の物語でないのは、彼女が何度も「蘇る」アーティストだったからだ。第2章では、1970年代の試練、1980年代の驚異的なカムバック、そして2018年の死に至るまでの、クイーン・オブ・ソウルの後半生を辿る。 🌊 1970年代の試練——Atlantic後期と低迷期 1960年代後半の爆発的な成功の後、1970年代のArethaのキャリアは起伏が激しかった。 1970年代前半は依然として輝いていた。「Don't Play That Song」「Bridge Over Troubled Water」——1970年代初期の録音には、全盛期の輝きが残っていた。特に1972年のフィルモア・ウェスト公演（「Aretha Live at Fillmore West」）は、ロックのメッカで行われたArethaのライブとして語り継がれる傑作だ。会場にいたRay Charlesがステージに飛び入りしたエピソードも有名だ。同年の「Amazing Grace」というゴスペル・アルバムが彼女のキャリア最大のヒットとなったことは第1章で触れた通りだが、その直後から状況は変化し始めた。テッド・ホワイトとの離婚（1969年）、私生活の混乱、そしてAtlantic Recordsとの創作上の方向性のすれ違い——これらが複合して、1970年代中盤以降のArethaの音楽は、批評家から「以前ほどの切迫感がない」と評されるようになっていった。 1976年の映画「スパークル（Sparkle）」のサウンドトラック制作でCurtis Mayfieldとコラボレーションし、一時的な注目を集めたが、1970年代後半のアルバム「Sweet Passion」「Almighty Fire」「La Diva」は商業的にも批評的にも振るわなかった。 1979年、ArethaDはAtlantic Recordsを去った。17年間在籍したレーベルとの別れ——しかしそれは終わりではなかった。この低迷期についてArethaはこう語っている——「私は何度も壁に当たった。しかし私には、歌うことしかできない。歌い続けることが、私の答えだった」。 💃 「Jump to It」——Clive Davisとの再起 1980年、ArethaDはArista RecordsのClive Davisと契約した。 Clive Davisといえば、アメリカ音楽業界最大の功績を持つプロデューサー・経営者の一人だ。Janis Joplin、Bruce Springsteen、Barry Manilow、そして後にWhitney Houstonを発掘した人物。このDavisがArethaに「もう一度、本当の自分を世界に見せる機会を与えたい」と言った。最初のArista時代のアルバム「Aretha」（1980年）は、現代的なR&Bサウンドへの適応を試みたが、まだ突破口とはならなかった。真のカムバックは1982年の「Jump to It」で訪れた。プロデューサーはLuther Vandrossだった。当時Vandrossはソロアーティストとしてデビューしたばかりの新進気鋭の存在だったが、ArethaDへの愛情と敬意は深く、彼女のために全力を尽くした。「Jump to It」はR&Bチャートで1位を獲得。アルバムは最高23位を記録した。サウンドは1980年代のコンテンポラリーR&Bの洗練されたプロダクションを持ちながら、Arethaの声の力はいささかも衰えていなかった。 1983年の「Get It Right」もLuther Vandrossのプロデュースで、こちらもR&Bチャートで1位を獲得した。このVandrossとのコラボレーションが示したのは、Arethaが「時代のサウンド」に適応しながらも、自分の「声の本質」を失わない能力を持っているということだ。どんなプロダクションに包まれても、Arethaの声はArethaの声だ——その不変性が、彼女を時代を超えるアーティストにした。あなたはArethaの1980年代の楽曲を聴いたことがありますか？1960年代とは違う、あの時代ならではの輝きがあります。 👑 「Who's Zoomin' Who?」——1985年の驚異的なカムバック 1985年の「Who's Zoomin' Who?」は、Arethaのキャリアの中で最も重要なカムバック・アルバムの一つだ。 ...

: 🇺🇲　Chapter 1 | "Respect" — The Day She Took Otis Redding's Song, and Changed the History of Women and Soul 〜 | After Six Years of Silence: How Jerry Wexler and Atlantic Records Freed Aretha's True Voice

2026/10/3

The moment "Respect" starts playing, something in the world shifts. That horn introduction, and then Aretha's voice: "What you want, baby I got it." One line, and the air changes. This is not simply "a song." It is a declaration. It is an assertion of existence. If I had to describe Aretha Franklin in a single phrase, I would choose "the soul that became a voice." Something exists in Aretha's singing that operates in a different dimension from technical perfection. It was born in the gospel of a Detroit Baptist church, ...

: 🇺🇲　第1章｜デトロイトの教会から世界へ——Aretha Franklinという魂の革命〜｜「ミリオンダラー・ヴォイス」の娘——C.L.フランクリン牧師とゴスペルという原点

2026/10/3

「Respect」が流れてきた瞬間、世界が変わる感じがする。あのイントロのホーン、そしてArethaの声——「What you want, baby I got it（あなたが欲しいもの、私は持っている）」。たった一行で、空気が変わる。この声は単なる「歌」ではない。宣言だ。存在の主張だ。 Aretha Franklinという人物を一言で表すとしたら、私は「魂が声になった」という言葉を選ぶ。技術的な完璧さとは別次元の何かが、Arethaの歌にはある。それはデトロイトのバプティスト教会のゴスペルから生まれ、コロンビア・レコードでの6年間の苦悩を経て、1967年に突然世界に放たれた。あなたはArethaの曲の中で、最初に心を掴まれた一曲は何ですか？ 🎓 デトロイトの教会で生まれた声——Arethaの原点 1942年3月25日、テネシー州メンフィス。 Aretha Louise Franklinはこの世に生まれた。しかし彼女の「故郷」はメンフィスではなく、デトロイトだ。1944年、家族はミシガン州デトロイトに移り、父のC.L.フランクリン牧師がニュー・ベセル・バプティスト教会の牧師に就任した。父のClarence LaVaughn "C.L." Franklinは、「ミリオンダラー・ヴォイス（百万ドルの声）」と呼ばれた伝説的な牧師だ。彼の説教は全国に知れ渡り、マハリア・ジャクソン、サム・クック、クララ・ウォードといったゴスペルの巨人たちがフランクリン家を訪ね、幼いArethaの傍でその声を響かせた。Arethaが育った環境は、ゴスペルの最高峰が日常の空気だった——これは「才能」という言葉では説明できない、もっと根本的な何かをArethaに与えた。母のBarbara Siggers Franklinもゴスペル歌手でありピアニストだった。しかし1952年、Arethaが10歳のとき、母は心臓発作でこの世を去った。この喪失が、Arethaの音楽に特別な「痛みの深さ」をもたらしたと、多くの評論家が指摘している。子供が親を失う体験——その悲しみは言葉にならない。しかしArethaはその悲しみを、歌という形で昇華することを教会で学んでいった。 Arethaは6歳でソロを歌い始め、12歳でフィーチャード・ソリストの地位を得た。14歳から18歳の間、彼女は父の全国伝道ツアーに同行し、教会から教会へと渡り歩いた。その過程で録音した初のゴスペル・アルバム「The Gospel Soul of Aretha Franklin」は、Arethaが14歳のときの記録だ。しかしArethaのティーンエイジャー時代には、音楽だけではない現実があった。12歳で最初の子を出産し、その後も10代のうちにもう一人の子を産んだ。父の名を持つ息子Clarence、そしてEdward——この二人の子供の存在が、Arethaに「母として生きる」という現実と「アーティストとして生きる」という夢の間の緊張を、若くして与えた。 🎸 コロンビア時代の苦悩——才能を封じ込めた6年間 18歳のArethaは、父の後押しを受けてニューヨークへ向かった。いくつかのレコード会社が興味を示した——モータウン、RCA、コロンビア。Berry Gordyのモータウンは近所のデトロイトのレーベルだったが、父はより大きな国際的な舞台を望んでいた。最終的にArethaは、コロンビア・レコードの伝説的な音楽プロデューサー、John Hammondと契約を結んだ。 Hammondは見る目があった——Billie HolidayとBob Dylanを発掘した人物だ。彼はArethaの才能を一発で見抜き、即座に契約した。しかしコロンビアでの6年間（1961年〜1967年）は、Arethaの才能を封じ込める時代になった。コロンビアのプロデューサーたちは、Arethaを「オールラウンドなエンターテイナー」として育てようとした。ジャズ、ポップ、スタンダード——さまざまなスタイルで録音させながら、Arethaの本当の力の源であるゴスペルの魂を前面に出させなかった。この6年間に10枚のアルバムをリリースしたが、大ヒットは出なかった。Motown周辺のデトロイト出身のアーティストたちが次々とヒットを飛ばす中、Arethaは「才能はあるが売れない」という状況に置かれ続けた。なぜコロンビアはArethaの本当の力を引き出せなかったのか——それはArethaの「魂の音楽」への理解の欠如だ。ゴスペルとR&Bが融合したとき生まれる、生々しく、肉体的で、霊的なエネルギー——コロンビアのプロデューサーたちはそれを「商品化」しようとしたが、「商品化」すること自体がその音楽の本質を殺した。 Arethaは後にこう語っている——「コロンビアにいた6年間、私は自分が何者かを探していた。しかしそこでは答えが見つからなかった」。 🌠 Atlantic Recordsとの出会い——魂が解放された瞬間 1966年、コロンビアとの契約が切れたとき、Arethaは約8万ドルの負債を抱えていた。そこに現れたのが、Atlantic RecordsプロデューサーのJerry Wexlerだ。 WexlerはArethaのコロンビア時代の録音を聴き、「この声には本来の場所で歌わせれば、歴史が変わる」と確信した。彼はArethaと契約を結び、こう語った——「I took her to church, sat her down at the piano, and let her be herself（私は彼女を教会に連れて行き、ピアノの前に座らせ、彼女自身でいさせた）」。この「彼女自身でいさせた」という言葉が、すべてを説明している。 ...

: 🇨🇦　Chapter 2 | The Night She Sang "Both Sides Now" at Fifty-Seven: The Second Life That Time Gave the Music　〜｜ Paintbrush, Guitar, and Poetry: The Legacy of Joni Mitchell as a Complete Artist

2026/10/3

After the commercial success of "Court and Spark," Joni fought a long battle. Against critics. Against the music industry. And most of all, against the gap between her own musical conviction and what the world wanted from her. Chapter 1 traced Joni's musical revolution from its origins in polio, the confessional beauty of "Blue," the summit of "Court and Spark," and the crossings into jazz territory with "Hejira" and "Mingus." Chapter 2 follows how Joni — battered by critics, moving through turbulent personal changes — kept walking her own path. ...

: 🇨🇦　第2章｜苦悩と再生——Joni Mitchellの後半生と、脳卒中からの奇跡の帰還〜｜絵筆とギターと詩——Joni Mitchellという「全体的な芸術家」の遺産

2026/9/30

「Court and Spark」の商業的成功の後、Joniは長い戦いを続けた。批評家との戦い。音楽業界との戦い。そして何より、「自分の音楽的確信と、世界の求めるものの間のギャップ」との戦いだ。第1章ではポリオから始まったJoniの音楽的革命、「Blue」の告白的な美しさ、「Court and Spark」の頂点、そして「Hejira」と「Mingus」でのジャズへの越境を辿った。第2章では、その後のJoniが——批評家に叩かれながら、私生活の激動を経ながら——どのように自分の道を歩み続けたかを追う。そして最後に、2015年の脳動脈瘤と、2023年のニューポート・ジャズ・フェスティバルへの奇跡の帰還。あなたはJoniの後半のキャリアで、特に心に残るアルバムや曲がありますか？ 🌑 ゲフィン時代の苦悩——批評家との長い戦い 1982年から1991年にかけての「ゲフィン時代」は、Joniのキャリアで最も評価が割れた時期だ。デビッド・ゲフィンが設立したGeffen Recordsに移籍したJoniは、この時期に「Wild Things Run Fast」（1982年）、「Dog Eat Dog」（1985年）、「Chalk Mark in a Rainstorm」（1988年）という3枚のアルバムをリリースした。批評家の多くはこれらのアルバムを「JoniがポップとMTVの時代に媚びた作品」と評した。特に「Dog Eat Dog」は、当時流行していた電子音楽の影響を強く受けており、シンセサイザーの音が前面に出た作品だ。「これはJoni Mitchellの音楽ではない」という声が、アメリカの音楽評論の世界で上がった。しかし本当に「媚びた」のだろうか——そこをよく聴いてみると、興味深いことがわかる。「Dog Eat Dog」のタイトル曲と「Tax Free」という曲を聴くと、Joniが「ポップになろうとした」のではなく、「1980年代のアメリカの政治と社会への怒り」を電子音楽の言語で表現しようとしていたことがわかる。レーガン政権下の保守化するアメリカ、増大する経済格差、TVによる大衆操作——これらへの批判が、シンセサイザーの冷たい音と重なっている。「Tax Free」にはエレクトロニクス界の先駆者、Thomas Dolbyが参加し、テレビ伝道師の詐欺的な側面を皮肉った内容だ。表面上は「商業的なポップサウンド」に見えるが、その中身は政治的に挑発的だった。 Joniはこの時期の批判について、晩年にこう語っている——「批評家たちは私が変わることを恐れていた。しかし芸術家が成長しないことの方が、もっと恐ろしいことだ」。あなたはアーティストが音楽スタイルを大きく変えたとき、それを「裏切り」と感じますか？それとも「成長」と感じますか？ 💊 孤独と内面の闘い——Joniが語らなかった1980年代ゲフィン時代の音楽的な評価の低下の裏には、Joniの個人的な状況が深く関わっていた。 1982年、Joniはプロデューサーのラリー・クラインと結婚した。クラインはJoniの「Mingus」以降のアルバムに深く関わっていたベーシスト兼プロデューサーだ。この結婚は1994年まで続いた。表面上はパートナーを得た安定した時期に見えるが、Joniはこの時期について「音楽的に最も孤立していた時代」と後に語っている。何が彼女をそう感じさせたのか。一つには、スタジオでの創作プロセスの変化がある。「Blue」「Hejira」の時代、Joniは自分の感情を直接音楽に変換した。しかしゲフィン時代には、プロデューサーやレコード会社の意向が創作に入り込んできた。「もっとラジオで流れやすい曲を」「もっとMTVに対応した映像的なサウンドを」——そういう声が、Joniの純粋な創作衝動と衝突した。二つ目には、音楽産業の変化への戸惑いがある。1980年代はMTVが音楽業界を変えた時代だ。「見える音楽」が求められるようになり、Joniのように「聴く音楽」を信じるアーティストには、新しい適応を迫られる時代だった。三つ目は、より個人的な問題だ——Joniは自分が1965年に養子に出した娘のことを、心の奥底でずっと抱えていた。音楽に集中しながらも、その痛みは消えなかった。「Wild Things Run Fast」のアルバムには「Chinese Café/Unchained Melody」という曲がある。「ウンチェインド・メロディー」のカバーと自作曲を組み合わせたこの曲の歌詞に、養子に出した娘への言及が隠されていた——「我が子よ、我が子よ、私たちがまだ若かった頃（Nothing lasts for ...

: 🇨🇦　Chapter 1 | "Blue" as an Act of Exposure: Why the Most Personal Album of the 20th Century Was Made 〜 | From a Canadian Prairie Town to the Summit of "Court and Spark": Joni's First Golden Age

2026/10/3

The first time I heard "Blue," I hadn't expected music to be capable of this degree of personal exposure. Every line of the lyric gives the sensation of reading someone's diary. But it is not simply "a personal diary" — Joni's pain and joy and loneliness arrive as universal human feeling. How is this possible? That question stayed with me. Part of the answer lies in how she approaches her music. Joni Mitchell commands more than sixty guitar tunings, and from the beginning she questioned the existing frameworks of music in order to ...

: 🇨🇦　第1章｜カナダの農村から「Court and Spark」の頂点へ——Joniの最初の黄金時代〜｜「Big Yellow Taxi」の予言——半世紀前に環境を歌った女性の先見性

2026/9/30

「Blue」を初めて聴いたとき、音楽がこれほど個人的になれるとは思っていなかった。歌詞の一行一行が、まるで日記を読んでいるような感覚をもたらす。しかし単なる「個人の日記」ではない——Joniの痛みや喜びや孤独が、普遍的な人間の感情として届いてくる。これはどうして可能なのか、と考えた。その答えの一部が、彼女の音楽への向き合い方にある。Joni Mitchellは60種類以上のギターチューニングを使いこなし、自分の感情を音に変えるために、既存の音楽の枠組みを最初から疑った。その出発点に、一つの病気がある——ポリオだ。あなたはJoni Mitchellの音楽の中で、どのアルバムが最も印象に残っていますか？ 🎓 カナダの農村から音楽へ——Joniの誕生と出発 1943年11月7日、カナダのアルバータ州フォート・マクラウド。 Roberta Joan Andersonという名の女の子が生まれた。父は英国空軍の将校で、家族は西カナダの基地を転々とした後、サスカチュワン州サスカトゥーンに落ち着いた——これがJoniの「故郷」と呼ぶ場所だ。幼いJoniの最初の情熱は音楽ではなく、絵だった。7歳でクラシックピアノを始めたが、すぐに絵画の方に傾倒していった。しかし中学校の英語教師が言った一言が、彼女の人生を変えた。「絵筆で絵が描けるなら、言葉でも絵が描ける」——この言葉が、Joniの中で詩と音楽への扉を開いた。 9歳のとき、Joniはポリオに感染した。当時はワクチンも治療法もなかった。何週間も病院に入院し、医師からは「歩けなくなるかもしれない」と告げられた。しかしJoniはそれを受け入れなかった。「俺は歩ける」——そう決意し、リハビリに全力を注いだ。そして退院後、彼女は近所のダンスパーティーに忍び込んで踊った。この闘病体験が、Joniに二つのものをもたらした。一つは「内側を見つめる力」——長い入院生活の中で、Joniは同じ病棟の患者たちのために歌い始めた。自分の声と歌が、他者に何かを与えられることに気づいた最初の瞬間だった。もう一つは、独自のギターチューニングへの道だ。ポリオは左手の筋力を奪っていた。「左手が少し不器用になった。でも私は、通常のチューニングでは得られないコードの動きを求めていた」——後にJoniはそう語っている。弱くなった左手を補うために、彼女は標準的なチューニングから離れ、自分だけの音の配置を探し始めた。限界が、革命の出発点になった。 🎸 オープンチューニングという革命——60種類以上の独自の世界 Joni Mitchellのギターチューニングについて、「60種類以上」という数字は、音楽家の間でも驚きをもって語られる。通常のギタリストは、EADGBEという標準チューニング「E55545」を基本に、いくつかのオープンチューニングを使い分ける。しかしJoniは、ポリオで弱くなった左手が押さえやすい形を探すうちに、誰も行ったことのない音の世界を発見した。 Joniは独自の表記法を考案した。最低弦（6弦）の音名から始め、隣の弦との音程差を相対フレット数で表す方法だ。例えば標準チューニングはE55545、オープンD(DADF#AD)はD75435と表記される。この方法により、各チューニングの類似性が一目でわかり、カポタストの使用やチューニング変更の判断が容易になる。なぜ60種類以上のチューニングが必要なのか——これが最も興味深い問いだ。 Joniの答えはシンプルだ。「私はチューニングのヘッドを回し続け、自分が感じている感情に一致するコードを見つけた」。つまり、チューニングは「技術的な選択」ではなく「感情的な選択」なのだ。この曲で表現したい感情に最も近い音の響きを見つけるために、Joniはチューニングを変える。「Both Sides Now」の夢のような浮遊感も、「Blue」の透明な悲しみも、「Help Me」のポップな高揚感も——それぞれが固有のチューニングから生まれている。デトロイトのフォークシーンで活動していた頃、JoniはEric AndersonとTom Rushという二人のミュージシャンからオルタネート・チューニングの基礎を学んだ。しかし彼女はその学びを出発点として、独自の世界へと踏み込んでいった。 Rolling Stoneは「史上最も偉大なギタリスト100人」のリストにJoniを含めている——女性ギタリストとしての技術的な到達点というより、「ギターという楽器の可能性を根本から拡張した」という評価が、その背景にある。あなたはJoniの曲でギターの響きに特別な印象を持った曲がありますか？ 🌠 デビューから「Blue」まで——魂の露出という勇気 1965年、Joniはアメリカに渡った。カナダのサスカトゥーンのフォーククラブで歌い、トロントの街角でバスキング（路上演奏）をしながら、彼女は「音楽で生きる」という選択をしていた。しかしその選択の裏には、もう一つの重大な出来事があった。 1965年、Joniは望まない妊娠をした。父親の男性は去り、Joniは一人でカナダの病院で出産した。娘を養子に出すしかなかった。この体験の痛みは、その後の多くの曲に静かに流れ込んでいく。 ...

: 🇩🇪🇺🇲　Here Come Those Tears Again — When the Tears Return

2026/9/29

1976, 　The Pretender-Jackson Browne , Songwriter ：Jackson Browne , Nancy Farnsworth , Jackson Browne’s “Here Come Those Tears Again” appears as the fourth track on Side One of his 1976 album *The Pretender*. The album, his fourth studio release, was recorded during one of the most painful periods of his life. During the making of the album, Browne’s wife, Phyllis Major, died in March 1976. Her death cast a long shadow over the record, and *The Pretender* became a deeply personal work about loss, loneliness, uncertainty, and the struggle to ...

: 🇩🇪🇺🇲　Here Come Those Tears Again ― 曲とアルバム制作の背景

2026/9/26

1976, The Pretender-Jackson Browne , Songwriter ：Jackson Browne , Nancy Farnsworth , Jackson Browneの「Here Come Those Tears Again」は、1976年に発表されたアルバム『The Pretender』のA面4曲目に収録されています。作詞・作曲はJackson BrowneとNancy Farnsworth。約3分半の楽曲です。『The Pretender』はJackson Browneにとって4枚目のスタジオ・アルバムで、1976年に制作・発表されました。アルバムのレコーディングはロサンゼルスのSunset Soundで行われ、Jon Landauがプロデュースを担当。ミックスはThe Sound Factoryで行われ、Greg Ladanyiらが制作に参加しています。このアルバムの制作時期は、Browneにとって大きな転機となりました。 1976年3月、Browneの妻Phyllis Majorが亡くなっています。『The Pretender』は、その出来事が起きた時期と重なる形で制作されました。そのため、このアルバムはBrowneの1970年代の作品の中でも、特に個人的な背景を持つアルバムとして知られています。「Here Come Those Tears Again」の作詞クレジットに名前を連ねるNancy Farnsworthは、Phyllis Majorの母親です。この曲の成立については、Nancy Farnsworthが書いていた未完成の歌詞をJackson Browneに見せ、Browneがその言葉を取り入れて曲として完成させた、と伝えられています。そのため、Phyllisが残した言葉を母Nancyがつなぎ合わせたものではないか、という見方もできます。ただし、これは制作過程についての推測として扱うのが適切でしょう。『The Pretender』には、多くの著名なミュージシャンが参加しています。「Here Come Those Tears Again」の録音では、Jackson Browneがリード・ボーカルを担当。ドラムはJim Gordon。ベースはBob Glaub。ピアノはLittle Featでも知られるBill Payne。オルガンはMike Utley。ギターにはFred Tackettが参加し、John Hallがギター・ソロを担当しています。そして、バック・ボーカルにはBonnie RaittとRosemary Butlerが参加しています。特にJim GordonとBonnie Raittは、この曲を語るうえで押さえておきたい参加ミュージシャンです。 Jim Gordonは1970年代のロック、ポップスのセッション・ドラマーとして数多くの作品に参加しており、この曲ではドラムを担当しています。 Bonnie Raittはバック・ボーカルとして参加。Rosemary Butlerとともにハーモニーを加えています。また、『The Pretender』全体を見ると、曲ごとに参加するミュージシャンが異なっています。 A面1曲目の「The ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | Pigpen's Death, the Wall of Sound, and Garcia's Final Journey: Thirty Years of Light and Shadow 〜 | Living With the Deadheads: The Full Story of the Grateful Dead from the 1970s to Dissolution

2026/9/25

The essential nature of the Grateful Dead as a band was the refusal to seek completion. Chapter 1 traced the journey from jug band to psychedelic, the explosive improvisation of "St. Stephen," and the acoustic beauty of "Uncle John's Band" and "Ripple." The two masterpiece albums of 1970 — Workingman's Dead and American Beauty — gave the Grateful Dead their first commercial success. But the Grateful Dead were not a band that remained at any point of arrival. Chapter 2 follows the second half of their story: from the 1970s through the 1995 ...

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