みんなの思い出の音楽

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2026/9/28

: 🇩🇪🇺🇲　Here Come Those Tears Again — When the Tears Return

2026/9/27

1976, 　The Pretender-Jackson Browne , Songwriter ：Jackson Browne , Nancy Farnsworth , Jackson Browne’s “Here Come Those Tears Again” appears as the fourth track on Side One of his 1976 album *The Pretender*. The album, his fourth studio release, was recorded during one of the most painful periods of his life. During the making of the album, Browne’s wife, Phyllis Major, died in March 1976. Her death cast a long shadow over the record, and *The Pretender* became a deeply personal work about loss, loneliness, uncertainty, and the struggle to ...

: 🇩🇪🇺🇲　Here Come Those Tears Again ― 曲とアルバム制作の背景

2026/9/26

1976, The Pretender-Jackson Browne , Songwriter ：Jackson Browne , Nancy Farnsworth , Jackson Browneの「Here Come Those Tears Again」は、1976年に発表されたアルバム『The Pretender』のA面4曲目に収録されています。作詞・作曲はJackson BrowneとNancy Farnsworth。約3分半の楽曲です。『The Pretender』はJackson Browneにとって4枚目のスタジオ・アルバムで、1976年に制作・発表されました。アルバムのレコーディングはロサンゼルスのSunset Soundで行われ、Jon Landauがプロデュースを担当。ミックスはThe Sound Factoryで行われ、Greg Ladanyiらが制作に参加しています。このアルバムの制作時期は、Browneにとって大きな転機となりました。 1976年3月、Browneの妻Phyllis Majorが亡くなっています。『The Pretender』は、その出来事が起きた時期と重なる形で制作されました。そのため、このアルバムはBrowneの1970年代の作品の中でも、特に個人的な背景を持つアルバムとして知られています。「Here Come Those Tears Again」の作詞クレジットに名前を連ねるNancy Farnsworthは、Phyllis Majorの母親です。この曲の成立については、Nancy Farnsworthが書いていた未完成の歌詞をJackson Browneに見せ、Browneがその言葉を取り入れて曲として完成させた、と伝えられています。そのため、Phyllisが残した言葉を母Nancyがつなぎ合わせたものではないか、という見方もできます。ただし、これは制作過程についての推測として扱うのが適切でしょう。『The Pretender』には、多くの著名なミュージシャンが参加しています。「Here Come Those Tears Again」の録音では、Jackson Browneがリード・ボーカルを担当。ドラムはJim Gordon。ベースはBob Glaub。ピアノはLittle Featでも知られるBill Payne。オルガンはMike Utley。ギターにはFred Tackettが参加し、John Hallがギター・ソロを担当しています。そして、バック・ボーカルにはBonnie RaittとRosemary Butlerが参加しています。特にJim GordonとBonnie Raittは、この曲を語るうえで押さえておきたい参加ミュージシャンです。 Jim Gordonは1970年代のロック、ポップスのセッション・ドラマーとして数多くの作品に参加しており、この曲ではドラムを担当しています。 Bonnie Raittはバック・ボーカルとして参加。Rosemary Butlerとともにハーモニーを加えています。また、『The Pretender』全体を見ると、曲ごとに参加するミュージシャンが異なっています。 A面1曲目の「The ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | Pigpen's Death, the Wall of Sound, and Garcia's Final Journey: Thirty Years of Light and Shadow 〜 | Living With the Deadheads: The Full Story of the Grateful Dead from the 1970s to Dissolution

2026/9/25

The essential nature of the Grateful Dead as a band was the refusal to seek completion. Chapter 1 traced the journey from jug band to psychedelic, the explosive improvisation of "St. Stephen," and the acoustic beauty of "Uncle John's Band" and "Ripple." The two masterpiece albums of 1970 — Workingman's Dead and American Beauty — gave the Grateful Dead their first commercial success. But the Grateful Dead were not a band that remained at any point of arrival. Chapter 2 follows the second half of their story: from the 1970s through the 1995 ...

: 🇺🇲　第2章｜宇宙的即興から組曲の野心まで——アメリカ音楽の地図を書き換えたバンドの後半生〜｜デッドヘッズとともに生きた軌跡——1970年代から解散まで、グレイトフル・デッドの全貌

2026/9/24

グレイトフル・デッドというバンドの本質は、「完成」を目指さないことにある。第1章では、ジャグバンドからサイケデリックへの転換、「St. Stephen」の即興の爆発、「Uncle John's Band」と「Ripple」のアコースティックな美しさを追った。1970年の「Workingman's Dead」と「American Beauty」という二枚の傑作アルバムで、グレイトフル・デッドは初めて商業的な成功を掴んだ。しかしグレイトフル・デッドは、その成功の地点に留まるバンドではなかった。第2章では、1970年代から1995年の解散まで——バンドが深化し、試練を乗り越え、そして最終的に「アメリカを代表する伝説的バンド」として歴史に刻まれるまでの後半生を辿る。 🎸 「Dark Star」——宇宙的即興の頂点グレイトフル・デッドの即興演奏の中で、「Dark Star」は特別な地位を占める。 1968年2月にシングルとしてリリースされた「Dark Star」は、スタジオ録音では約3分の曲だ。しかしライブでは、まったく別の何かになった。 1969年2月27日、サンフランシスコのフィルモア・ウェストでの「Dark Star」は約23分に及んだ。1972年のヨーロッパ・ツアーでの演奏は時に45分を超えた。同じ曲のはずが、毎回まったく異なる宇宙を生み出した——これが「Dark Star」という曲の本質だ。「Dark Star」はRobert Hunterによる謎めいた歌詞を持つ。「Dark star crashes / Pouring its light into ashes（暗い星が墜落する / その光を灰の中に注ぎながら）」——この詩句は宇宙論的なイメージと個人の意識の消滅を重ね合わせている。しかし多くのライブ演奏では、歌詞はほとんど歌われない。「Dark Star」は本質的にインストゥルメンタルの即興曲として機能する。なぜ「Dark Star」がグレイトフル・デッドの即興哲学の頂点なのか。それはこの曲が「始まりも終わりも定めない音楽の旅」の最も純粋な表現だからだ。 Garcia、Lesh、Weir、二人のドラマー——この五人が「Dark Star」の冒頭の数小節を演奏し始めた瞬間、誰も次の音が何かを知らない。Garciaのギターが一つのモチーフを提示する。Leshのベースがそれに応答する。Weirのコードが別の色を加える。ドラマーたちのリズムが変容する。音楽は生き物のように成長し、拡大し、時に崩壊しかけ、しかし必ず新しい形を見つける。デッドヘッズたちは「Dark Star」が始まった瞬間を「宇宙に打ち出される感覚」と描写する。それは比喩ではない——あの音楽の中にいるとき、時間の感覚が変わり、場所の感覚が変わる。それがグレイトフル・デッドの即興演奏が目指していたものだ。「Dark Star」は1974年以降、ほとんど演奏されなくなった。しかし1989年10月9日、ニューヨークのマディソン・スクエア・ガーデンで、約15年ぶりに演奏が再開された。その夜、客席から沸き起こった歓声は「奇跡の帰還」への反応だった。 🌍 「Europe '72」——ヨーロッパ・ツアーの伝説 1972年4月から5月にかけて、グレイトフル・デッドは初のヨーロッパ・ツアーを行った。このツアーは、グレイトフル・デッドの歴史の中で最も輝かしいページの一つとして語り継がれている。バンドのメンバー、ロードクルー、家族——約40人の大所帯でヨーロッパを巡った。このツアーからリリースされた3枚組ライブアルバム「Europe '72」は、グレイトフル・デッドのライブの本質を最も完全に捉えた録音の一つだ。イギリス、フランス、ドイツ、デンマーク——各地でのライブから選ばれた音源は、バンドが絶頂期にあったことを示している。なぜ1972年のツアーが特別なのか。それは複数の要因が重なっていた。まずメンバーの状態だ。Keith Godcheaux（キーボード）とDonna Godcheaux（ボーカル）がバンドに加わって半年が経ち、その音楽的な統合が完成に近づいていた。Pigpen（ロン・マッカーナン）は体調不良でツアーを離脱したが、Keithの洗練されたピアノがバンドに新しい色彩をもたらしていた。次に、ヨーロッパの観客の質だ。アメリカのデッドヘッズはすでにバンドのレパートリーを熟知していた。一方、ヨーロッパの多くの観客にとってこれは初めての体験だった。その「新鮮な驚き」がバンドの演奏に独特の緊張感と高揚感をもたらした。「ターピン・ステーション」「ケイシー・ジョーンズ」「クレイジー・フィンガーズ」——このツアーで演奏された曲の多くが、後にスタジオ録音として残された。しかしどのスタジオ版も、1972年のライブの熱量には及ばないと多くのファンは言う。 ...

: 🇺🇲　Chapter 1 | From Jug Band to Psychedelic: The Birth of the Grateful Dead Revolution〜 | "The Only Group That Does What They Do": The Grateful Dead's 30 Years and the Philosophy of Improvisation

2026/9/23

Try to describe the Grateful Dead in one sentence and you will fail. Country, folk, blues, jazz, psychedelic, space rock — all of these are elements of the Grateful Dead's music, but none of them individually can answer the question "what kind of band were the Grateful Dead?" Bill Graham, the legendary promoter who worked with them throughout their career, came closest: "They're not the best at what they do, they're the only ones that do what they do." That sentence is probably the most accurate description ever written. The Grateful Dead formed in ...

: 🇺🇲　第1章｜ジャグバンドからサイケデリックへ——グレイトフル・デッドという革命の誕生〜｜「彼らがすべきことをするのが、唯一のものである」——グレイトフル・デッドの30年と即興の哲学

2026/9/22

グレイトフル・デッドを一言で説明しようとすると、必ず失敗する。カントリー、フォーク、ブルース、ジャズ、サイケデリック、スペース・ロック——これらすべてが「グレイトフル・デッド」というバンドを構成する要素だが、どれか一つを取り出しても「グレイトフル・デッドとはこういうバンドだ」とは言えない。プロデューサーのビル・グラハムは言った——「彼らは何かをするときに最高ではなく、彼らがすべきことをするのが、唯一のものである」。この言葉が、おそらく最も正確だ。グレイトフル・デッドは1965年にカリフォルニア州パロアルトで結成され、1995年に解散した。30年間。その間に彼らがやったことを「音楽活動」と呼ぶのは、正確だが何かが足りない。彼らはアメリカのカウンターカルチャーの核心にいた。ヒッピー文化の象徴だった。そして何十万人もの「デッドヘッズ」と呼ばれるファンたちと、移動する共同体を作り上げた。日本では知名度があまり高くないが——これは正直に認めなければならない——本国アメリカではビートルズやローリング・ストーンズと並ぶ「伝説的バンド」として認識されている。世界中で3,500万枚以上のアルバムを売り上げ、1994年にはロックの殿堂入りを果たした。この章では、その誕生から1970年代初頭まで——グレイトフル・デッドが何者であるかを確立した時代を辿る。 🎸 ジャグバンドからロックへ——パロアルトで生まれた革命グレイトフル・デッドの物語は、ジャグバンドから始まる。 1960年代初頭、カリフォルニア州パロアルト。Jerry Garcia（ジェリー・ガルシア）はフォークとブルーグラスに夢中だった。バンジョーとギターを掻き鳴らし、コーヒーハウスでフォーク・リバイバルの波に乗っていた。Bob Weir（ボブ・ウィアー）も同じシーンにいた。1950年代後半から60年代初期のアメリカのフォークミュージック・リバイバルは、Garciaにとって最初の「家」だった。しかしその「家」が揺らぐ出来事が起きた。1964年2月9日、エド・サリバン・ショーに登場したビートルズを、アメリカ中が見た。「ビートルズは、私達がジャグ・バンドからロックンロールバンドに転向した理由であった」とBob Weairは語っている。「私達が見た彼らの演奏は極端に魅力的であった」。フォークの詩的な誠実さを持ちながら、ロックンロールの肉体的な爆発力も持つ——ビートルズが示したその可能性は、Garciaたちにとって啓示だった。 1964年から1965年にかけて、Garciaを中心にしたメンバーたちは「ワーロックス（Warlocks）」というバンドを結成した。このバンドが後にグレイトフル・デッドとなる。メンバーの顔ぶれを見ると、このバンドが最初から「普通のロックバンド」でないことがわかる。 Jerry Garcia——ギター、ボーカル。フォーク、ブルーグラス、カントリーの深い知識を持ち、バンジョーのフィンガーピッキング奏法でギターを弾く独自のスタイルを持つ。 Phil Lesh（フィル・レッシュ）——ベース、ボーカル。もともとクラシックのトランペット奏者で、幅広い音楽理論の素養を持つ。ベーシストとして加入したが、彼のベースラインは伝統的なブルースを基礎とした「リズムの土台」ではなく、まるで「二本目のリードギター」のようにメロディックでシンフォニックだった。 Bob Weir——ギター、ボーカル。伝統的なリズムギター奏者ではなく、ジャズの和声感覚を持つユニークな「逆転」のギタースタイルで知られる。 Ron "Pigpen" McKernan（ロン「ピッグペン」マッカーナン）——キーボード、ハーモニカ、ボーカル。R&Bとブルースへの深い愛着を持つ、バンドの「土の香り」を担う人物。 Bill Kreutzmann（ビル・クルーツマン）——ドラム。バンドの初期からの中心的なリズムの担い手。 1967年にはMickey Hart（ミッキー・ハート）が第二のドラマーとして加わり、詩人のRobert Hunter（ロバート・ハンター）も参加した。二人のドラマーによるリズムのインタープレイ——KreutzmannのしっかりしたビートとHartのロック古典を外れたパーカッションへの興味が組み合わさって、グレイトフル・デッドのリズムセクションは「音楽の感覚を再定義する」ような複雑さを持つようになった。そして1965年、Warloxsから「グレイトフル・デッド（Grateful Dead）」へ。バンド名は辞書に載っていた伝説のモチーフ——死者の魂が生者に恵みをもたらすという古い物語——から取られた。この名前選びの感覚自体が、このバンドが「普通ではない」ことを示している。 🌾 ケン・キージーとアシッド・テスト——サイケデリックの洗礼グレイトフル・デッドが「グレイトフル・デッド」になった決定的な出来事は、ケン・キージーとの出会いだ。ケン・キージー——小説「カッコーの巣の上で（One Flew Over the Cuckoo's Nest）」の著者で、1960年代のカウンターカルチャーの最も重要な人物の一人。彼は「メリー・プランクスターズ（Merry Pranksters）」という集団を率い、「アシッド・テスト（Acid Tests）」と呼ばれるLSDを使ったサイケデリックな「体験型イベント」を各地で開催していた。グレイトフル・デッドはパロアルトでキージーと出会い、アシッド・テストのハウスバンドとなった。これは単なる「バンドがイベントで演奏する」という話ではない。アシッド・テストの体験——光、音、言葉、感覚のすべてが混ざり合う場——で音楽を演奏することは、バンドの音楽そのものを変えた。 LSDによって「時間の感覚」が変容するとき、音楽はどうあるべきか。始まりと終わりを持つ「曲」という概念は、アシッド・テストの文脈では意味を持ちにくい。大切なのは「今この瞬間の音」だ——だから即興。終わりを決めずに始め、音楽がどこへ行くかを演奏しながら発見する。 ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | Beyond Loss, the Poetry Continues: Patti Smith's Second Half and Her Enduring Soul 〜 | "People Have the Power": The Complete Record of a Woman Who Kept Singing About Politics, Love and Prayer

2026/9/21

In the autumn of 1994, Patti Smith lost three people. On November 4, her husband Fred "Sonic" Smith died suddenly of a heart attack. He was forty-five years old. The partner with whom she had lived, made music, and raised children in Detroit for fourteen years was gone without warning. Within months, Richard Sohl — known as DNA, keyboardist from the original Patti Smith Group, long-time friend — also died. And in 1995, her brother Todd died. Three deaths. Three people closest to her, gone within less than three years. ...

: 🇺🇲　第2章｜喪失の果てに、詩は続く——パティ・スミスの後半生と永続する魂〜｜村上春樹、久石譲、フジロック——パティ・スミスと日本との深い縁

2026/9/20

1994年の秋、パティ・スミスは三人を失った。 11月4日、夫のFred "Sonic" Smithが心臓発作で突然この世を去った。まだ45歳だった。デトロイトで14年間ともに生き、音楽を作り、子供たちを育てたパートナーを、パティは突然失った。その数ヶ月後、パティ・スミス・グループの初期メンバーで、長年の親友でもあったキーボーディスト、Richard Sohl（ニックネーム「DNA」）も亡くなった。そして1995年には、兄のToddが逝った。三人の死。三年に満たない時間の中で、パティの最も近くにいた人々が次々と去っていった。しかしパティは書き続けた。歌い続けた。喪失は彼女を沈黙させなかった——それは彼女を、より深い場所から語るようにさせた。 🖤 喪失の三年間——Fred、DNA、Todd Fredの死について、パティは多くを語らなかった。それは悲しみが浅いからではなく、逆だ。あまりにも深すぎて、言葉にすれば何かが壊れる——そういう種類の沈黙だった。 Fred Smithはパティにとって何だったか。単なる夫ではなかった。MC5というバンドで「Kick Out the Jams」を叫んだ男——その政治的急進性と音楽的エネルギーが、パティの詩的な魂と出会ったとき、二つの炎は一つになった。デトロイトで過ごした14年間は、パティが音楽活動からほぼ離れた時期と重なるが、その「沈黙」の中でFredとパティは互いを深く知った。「People Have the Power」を台所で共に書いた。子供たちを育てた。詩を書き続けた。 Fredを失うことは、パティが選んだ人生の基盤そのものを失うことだった。 DNAことRichard Sohlは、パティとLenny Kayeが最初に詩の朗読会を開いた1971年から共に歩んできたピアニストだ。「Horses」のレコーディングにも参加した。彼のピアノはパティの詩に寄り添う楽器というより、もう一つの声だった。そして兄のTodd——家族という最初の共同体の一員を失うことの痛みは、また別の種類のものだ。この三つの喪失が同時に押し寄せたとき、パティが音楽に戻ったことは、逃避でも気晴らしでもなかった。それは生き延びるための方法だった。詩を書くことと生きることが一つだと信じてきた人間にとって、喪失を書かずにいることは、喪失に飲み込まれることを意味する。「私は書くことで生きている。書かなければ、私は死んでしまう」——パティはある講演でそう語っている。この言葉を聞いたとき、「比喩」ではなく「事実」として言っているのだと感じた。 🌊 「Gone Again」——悲しみから生まれた再生 1996年、パティ・スミスは音楽界に戻ってきた。アルバム「Gone Again」——「また、去ってしまった」というタイトルが、そのままパティの状況を語っている。FredもDNAも、そしてToddも、「また去ってしまった」のだ。しかしこのアルバムを聴くとき、「悲しみのアルバム」という単純な言葉では捉えられない何かがある。確かに悲しみはある——しかしそれは澱んだ悲しみではなく、透明な悲しみだ。喪失を通り抜けた先にある、より澄んだ空気のような何か。タイトル曲「Gone Again」は、Fredのために書かれた曲だ。しかしその歌詞は、特定の一人への追悼を超えて、去っていくすべての存在への語りかけになっている。「Did you come here to take me away / Did you come here to help me through（ここに来たのは、私を連れていくため / ここに来たのは、私を助けるため）」——この曲のパティの声には、強さと脆さが同時に存在している。壊れそうでありながら、しかし決して壊れない。アルバムには「About a Boy」という曲も収録されている。カート・コバーンへの追悼として書かれたこの曲は、「また去ってしまった」という喪失のテーマを、別の角度から照らし出す。1994年という年は、FredとKurt Cobainの両方が去った年だ——異なる死、異なる状況、しかし同じ「喪失」の痛みが、パティに二つの曲を書かせた。「Gone Again」は批評家から高く評価された。しかしそれ以上に重要なのは、このアルバムがパティ自身に対して何をしたか、ということだ。音楽に戻ることで、パティは自分の中の詩人を取り戻した。Fredと過ごした14年間の「沈黙」が無駄ではなかったように、喪失の時間もまた、何かを生み出すための時間だった。 1996年から1997年にかけて、パティはコンスタントにアルバムをリリースし始めた。1997年の「Peace and Noise」、2000年の「Gung Ho」——これらのアルバムは、再生したパティが世界と向き合う音楽だ。 🌍 政治と詩——「People Have the Power」の意味パティ・スミスの音楽を語る上で、「People Have ...

: 🇺🇲　Chapter 1 | "Jesus Died for Somebody's Sins, But Not Mine": The Godmother of Punk Who Split Music History in Two 〜 | From the Piss Factory to CBGB: Patti Smith and the Dawn of New York Punk

2026/9/20

"Jesus died for somebody's sins, but not mine." This single line changed the world in 1975. At the opening of the album Horses, Patti Smith made that declaration — driving a line from her own poem "Oath" into the beginning of a Van Morrison cover, "Gloria." It was a declaration of war against religion, a declaration of self, a birth cry for punk as a musical form. That one sentence split music history in two. But the line didn't arrive from nowhere. It was the final destination of a journey through factory assembly lines, ...

: 🇺🇲　第1章｜ランボーの愛人を夢見た少女——パティ・スミスという魂の誕生〜｜「イエスは私のために死んだのではない」——パンクの教母が開いた、音楽と詩の新世界

2026/9/20

「Jesus died for somebody's sins, but not mine（イエスは誰かの罪のために死んだ——でも、私のためではない）」この一行が、1975年に世界を変えた。アルバム「Horses」の冒頭、パティ・スミスはそう宣言した。ヴァン・モリソンのカバー曲「Gloria」に、自身の詩「Oath」の一節を叩きつけた。宗教への宣戦布告にして、自己宣言にして、パンクという音楽の誕生を告げる呼び声——その一行が、音楽史を二つに割った。しかしこの一行は、突然生まれたものではない。それは工場のライン、ニュージャージーの薄暗い空、盗んだランボーの詩集、そしてニューヨークの貧乏アパートで書き続けた詩の果てに辿り着いた言葉だった。 📖 シカゴからニュージャージーへ——詩人の誕生 1946年12月30日、イリノイ州シカゴ。 Patricia Lee Smithはこの世に生まれた。4人兄弟の長女。父はジャズを愛するビル、母はエホバの証人として信仰を持つビバリー——この二つの異なる精神が、幼いパティの内側で複雑に絡み合った。 3歳のときに家族はフィラデルフィアのジャーマンタウンへ移り、さらに9歳のときにニュージャージー州ピットマンへ。ピットマンはニュージャージー南部の、典型的なアメリカ労働者階級の町だった。工場の煙突が並ぶ、どこにでもあるような場所。しかし幼いパティにとって、そこは夢を窒息させる場所でもあった。子供の頃のパティは病弱だった。結核、はしか——繰り返す病気のために長期間学校を休み、一人で本を読む時間が増えた。その孤独が、彼女の内側に詩的な感性を育てた。社会の外側にいるような感覚、アウトサイダーとしての自覚——それが後の彼女の音楽の核心になっていく。母から贈られたボブ・ディランのアルバム「Another Side of Bob Dylan」が、音楽への最初の扉を開いた。そしてフランスの象徴主義詩人、アルチュール・ランボーとの出会いが、彼女の人生の方向を決定的に変えた。「ランボーは俺のガールフレンドみたいなものだった」——パティは後年のインタビューでそう語っている。少女の夢想の中でランボーは恋人のような存在だった。19世紀フランスの反逆の詩人、16歳で傑作「イリュミナシオン」を書き、20歳で詩を捨てアフリカへ旅立った男——その燃え上がるような生き方が、ニュージャージーの退屈な日常に縛られた少女の魂を完全に掴んだ。このランボーへの愛着は、単なる文学少女の憧れではなかった。それは「詩とは人生そのものであるべきだ」という思想の受容だった。詩を書くことと生きることを一致させる——この信念が、後のパティ・スミスのすべての音楽と詩の根っこにある。 🗽 ニューヨークへ——ランボーの愛人を夢見た少女高校を卒業したパティは、ピットマンの工場で働き始めた。三輪車の組み立てラインだった。それは「Piss Factory（糞工場）」という曲になる体験だ。一日中同じ動きを繰り返す工場の仕事、労働者たちの閉塞した空気、逃げ出したい一心で詩を書き続けた日々——この体験が、後に「Hey Joe / Piss Factory」というシングルの「Piss Factory」サイドとして結晶する。工場とは、夢を持つ者を飲み込もうとする場所だった。パティはそこで飲み込まれることを拒んだ。その後グラスボロ州立大学に入学するが、在学中に妊娠。21歳のとき、1967年4月26日に女の子を出産し、養子に出すという苦しい決断をした。「一瞬、死ぬかもしれないと感じた。そしてすぐに、すべてうまくいくとわかった。圧倒的な使命感が、恐怖を消し去った。私はアーティストになる。自分の価値を証明する」——後の回想録「Just Kids」でパティはそう書いている。出産から3ヶ月後の1967年7月、パティはニューヨークに向かった。手に持っていたのは、数枚の服と、デッサン用の鉛筆と、一冊のランボーの詩集だけだった。ランボーの愛人になるために——それが最初のニューヨーク行きの夢だったと、パティ自身が語っている。19世紀の詩人の愛人になることはできないが、そういう詩人たちが作ったアーティストの世界の一員になりたかった。ディランのような詩人、ジャン・ジュネのような作家——彼らが息を吸うような空間の中で、自分も何かを作りたかった。その夢は、ニューヨークで驚くべき形で現実になることになる。 🤝 Robert Mapplethorpeとの出会い——アーティストとしての覚醒ニューヨークに着いたパティは、まず職を探した。本屋で働き、衣料品店で働いた。しかし本当に求めていたものは仕事ではなく、同じ種類の魂を持つ人間との出会いだった。 1967年、ブルックリン・ミュージアムの近くで、パティはRobert Mapplethorpeと出会った。 ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | What the Solo in "Impossible Germany" Speaks: Freedom, Improvisation, and the Future of American Rock 〜 | Kurt Cobain and Jeff Tweedy: Two Men Born in 1967 Who Chose Different Roads

2026/9/18

Jay Bennett was gone, and Wilco had a new face. That new face would open the richest and most expansive period in the band's history. Chapter 1 traced the turbulent journey from Uncle Tupelo to Yankee Hotel Foxtrot — from country rock beginnings through the dense creative collaboration with Jay Bennett to the noise and poetry of the most celebrated album the band would ever make. And it traced what happened when that album was abandoned by the label, posted free on the internet, and discovered by the world anyway. But ...

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