みんなの思い出の音楽

詳しくはコチラ

: 🇧🇷　Bola Sete「Brejeiro」――エルネスト・ナザレーの名曲を1966年のSamba Jazzで聴く

2026/8/29

1966 , Autentico! - Bola Sete And His New Brazilian Trio　, Paulinho da Costa – drums Sebastiao Neto – bass guitar, percussion Bola Sete – guitar Songwriter ： Ernesto Nazareth , 🎸 Bola Sete — “Brejeiro” 『Autêntico !』（1966）より 1966年に発表されたBola Seteのアルバム『Autêntico !』。その1曲目に収録されているのが、ブラジル音楽史の中でもよく知られた作品、“Brejeiro”です。🇧🇷🎶 演奏は **Bola Sete and His New Brazilian Trio**。 🎸 Guitar — Bola Sete 🎸 Bass — Sebastian Neto 🥁 Drums — Paulinho da Costa Bola Seteのギターを中心に、ベースとドラムがリズムを支える、シンプルなトリオ編成。その中でPaulinho da Costaの軽快なドラムが、曲の流れを自然に前へ進めています。 Bola Seteのギターは、メロディーを追いながらブラジル音楽らしいリズムを刻み、そこにジャズのハーモニー感覚が加わる。この演奏を聴いていると、ショーロを起点としたブラジルの音楽と、1960年代のジャズがひとつのギター・トリオの中で自然に重なっていることが分かります。そして、この曲を語るうえで欠かせないのが、作曲者 **Ernesto Nazareth（エルネスト・ナザレー）**です。 --- 🎹 Ernesto Nazarethという音楽家 Ernesto Júlio de ...

: 🇺🇲　The Guitar That Fits "End of Summer" Best: Pat Metheny's Vast Musical Universe 〜 How a Missouri Boy Became the World's Greatest Fusion Guitarist

2026/8/28 Beyond the Missouri Sky, Charlie Haden, es, Headphon, Headphones, Jazz, Pat Metheny, Pat Metheny Charlie Haden Beyond the Missouri Sky Jazz Headphones

Put on your headphones at dusk on a late summer evening and play Pat Metheny. The music becomes the air. The guitar arrives at the same temperature as the color of the setting sun. Not sadness, not joy — something precisely between them, an emotion that belongs only to this particular season. Metheny's music embodies it perfectly. Why does Pat Metheny's music suit "the end of summer" so well? Because his music holds opposing feelings simultaneously — joy and sadness, the elation of a journey and the loneliness of return, past and ...

: 🇺🇲　「夏の終わり」に最も合うギター——Pat Methenyという広大な音楽宇宙

2026/8/28

夏の終わりの夕暮れ時、 Methenyをかける。その瞬間、音楽が空気になる。ギターの音が、夕陽の色と同じ温度を持って耳に届く。哀愁でもなく、明るさでもなく——ちょうどその間にある、この季節にしかない感情を、Methenyの音楽は完璧に体現する。なぜPat Methenyの音楽は「夏の終わり」に合うのか。それは彼の音楽が、喜びと悲しみ、旅の高揚と帰還の寂しさ、過去と未来——こういった対立する感情を、同時に抱えているからだ。その「両義性」が、夏の終わりという季節の本質と、見事に重なっている。 🎸 ミズーリの少年——音楽一家に生まれた天才の誕生 1954年8月12日、ミズーリ州リーズサミット。 Patrick Bruce Methenyはこの世に生まれた。父のDaveはトランペット奏者、母のLoisはボーカル音楽の教師、兄のMikeはジャズのフリューゲルホルン奏者——生まれながらにして音楽に囲まれた環境だった。 8歳でトランペットを始めたPatだったが、12歳のとき人生が変わる出来事が起きた。テレビで見たビートルズのパフォーマンスに衝撃を受け、ギターに転向したのだ。12歳の誕生日に贈られたGibson ES-140が、後の「世界最高のフュージョンギタリスト」の最初の楽器だった。 15歳でDown Beat誌の奨学金を得てジャズキャンプに参加。そこでギタリストのAttila Zollerに師事し、後にJim HallとRon Carterを紹介された。カンザスシティには1930年代から続く強力なジャズの伝統があり、地元のミュージシャンたちとの演奏がPatの耳と感性を磨いた。 18歳でマイアミ大学で教鞭を執り、19歳でバークリー音楽大学の最年少講師となった——この事実だけで、彼の才能がいかに突出していたかがわかる。 🌿 Gary Burtonとの出会い——プロキャリアの幕開け 1974年、20歳のPat Methenyはビブラフォン奏者Gary Burtonのカルテットに参加した。この3年間のバートンとの仕事が、Methenyの音楽的アイデンティティを確立した。「ホーン奏者に通常留保されるような、ルーズで柔軟なアーティキュレーション」と「高度なリズムおよびハーモニーの感覚」を組み合わせた演奏スタイル——これが後にMethenyのトレードマークになっていく。 1976年、デビューアルバム「Bright Size Life」をECMからリリース。共演者はJaco PastoriusとLyle Mays——後の音楽史に名を残す二人と共に、Methenyは「ジャズギターの新世代」を世界に宣言した。このアルバムについて評論家たちは「Methenyは新世代のプレイヤーのために伝統的なジャズギターのサウンドを再発明した」と評している。 🎵 Pat Metheny Group——Lyle Maysとの黄金のパートナーシップ 1977年、Pat Metheny GroupをLyle Maysとともに結成。 1978年の「Pat Metheny Group」、1979年の「American Garage」——これらのアルバムは、ジャズ、ロック、フォーク、ラテン音楽を融合させた、新しくてアクセスしやすいサウンドを世界に届けた。「American Garage」はジャズチャートでNo.1を獲得し、ポップチャートにもクロスオーバーした。 1982年の「Offramp」に収録された「Are You Going With Me?」は、Pat Methenyの代名詞的一曲だ。ラテン的なグルーヴに乗せたギターシンセの高らかなメロディーは、一度聴いたら忘れられない。 ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | Charade, Touch of Evil, 10: The Full Picture of Mancini Beyond Blake Edwards　〜 | RCA Victor and Ninety Albums: The Life of a Man Who Conquered the World as the King of Easy Listening

2026/8/26

When "Moon River" and "The Pink Panther Theme" reached the world in the early 1960s, Henry Mancini's musical adventure had only just properly begun. The journey traced in Chapter 1 — from a Cleveland boy to Hollywood — was, in retrospect, only the prologue to Mancini's full career. For more than thirty additional years, he simultaneously ran at the top of four fields: film music, television music, album recording, and concert performance. Chapter 2 follows the full arc. 🐘 Hatari! and "Baby Elephant Walk" — Demonstrating Mancini's Range ...

: 🇺🇲　第2章｜「シャレード」「タッチ・オブ・イービル」「テン」——Blake Edwardsを超えた、Manciniの全貌〜｜RCAと90枚のアルバム——イージーリスニングの帝王として世界を席巻した音楽人生

2026/8/27

「ムーン・リバー」と「ピンク・パンサーのテーマ」が世界に届いた1960年代初頭、Henry Manciniの音楽的冒険は本格的に始まったばかりだった。第1章で辿った「クリーブランドの少年からハリウッドへ」の旅は、実はManciniの全キャリアのほんの序章に過ぎない。彼はその後30年以上にわたって、映画音楽、テレビ音楽、アルバム録音、コンサート活動という四つのフィールドで、同時に頂点を走り続けた。その全体像を第2章で追う。 🐘 「ハタリ!」と「ベイビー・エレファント・ウォーク」——Manciniの幅広さを示す一曲 1962年、Blake Edwardsではない監督との仕事が、Manciniの音楽的な幅広さを世界に示した。 Howard Hawks監督のアフリカ冒険映画「ハタリ!（Hatari!）」——スワヒリ語で「危険」を意味するこの映画は、ジョン・ウェイン主演で、アフリカの大地を舞台に動物捕獲者たちの物語を描いた作品だ。この映画のスコアの中に、「ベイビー・エレファント・ウォーク（Baby Elephant Walk）」という曲がある。小象が列を作って歩くシーンのために書かれたこの曲は、チューバの低音とクラリネットの軽快なメロディが絡み合う、ユーモラスで愛らしい小品だ。しかしこの「小品」が、世界中で独立したヒット曲として広まった。ジャズのグルーヴとサーカス音楽的なユーモアを組み合わせた独特のサウンドは、CMや子供向けの番組でも頻繁に使われ、今日でも世界中の人々が「あのメロディ」を口ずさむことができる。グラミー賞「最優秀器楽編曲賞」を受賞したこの曲は、Manciniが「シリアスな感情」だけでなく「喜びとユーモア」の音楽も、同じ高いクオリティで書けることを証明した一例だ。 🎭 「シャレード」——オードリーとケーリー・グラントが踊った音楽 1963年、Manciniはもう一人の重要な監督と出会った。スタンレー・ドーネン——「雨に唄えば」「パジャマゲーム」などのミュージカル映画で名を馳せた監督だ。ドーネンとManciniのコラボレーションは、最初の「シャレード（Charade）」から始まり、「アラベスク」「いつも二人で（Two for the Road）」など複数の作品にわたった。「シャレード」はオードリー・ヘプバーンとケーリー・グラントが主演するロマンティックサスペンスだ。パリを舞台にした洗練されたストーリーに、Manciniは「パリらしさ」と「スパイ映画のスリル」を同時に体現するスコアを書いた。タイトル曲「シャレード」はアカデミー賞「最優秀オリジナル歌曲賞」にノミネートされた。曲の洗練されたジャズのコード感覚と、どこかノスタルジックなメロディーは、パリの街角の空気をそのまま音楽に閉じ込めたような完成度を持っている。「いつも二人で（Two for the Road）」（1967年）では、オードリー・ヘプバーンとアルバート・フィニーが主演した夫婦の回想録を、Manciniはビートルズ以降のポップミュージックの影響を取り入れた、より現代的なサウンドで描いた。これはManciniが「時代の変化」を音楽に取り込む柔軟性を持っていたことを示す好例だ。 🎯 「タッチ・オブ・イービル」——オーソン・ウェルズとの異色の出会い Manciniのキャリアの中で、最も意外な組み合わせの一つが、1958年の「タッチ・オブ・イービル（Touch of Evil）」だ。監督はオーソン・ウェルズ——「市民ケーン」を作った、映画史上最も革新的な監督の一人。この映画はメキシコとアメリカの国境を舞台にした、暗く複雑な犯罪ドラマだ。 Manciniはこの映画のスコアで、ラテン音楽の要素を大胆に取り入れた。ママンボのリズム、マリアッチ風のトランペット、そして緊張感を高めるパーカッション——これらが映画の冒頭の長回しのシーンから流れることで、国境という場所の混沌と危険を音楽で表現した。この仕事はManciniがユニバーサルのスタッフとして在籍していた時代の集大成とも言える作品であり、Rotten Tomatoesの批評家評価で100%を獲得した「Experiment in Terror」（1962年）と並ぶ、Manciniの映画音楽家としての最高傑作の一つに数えられる。 🌹 「ローマの休日」——オードリーとの長い縁 Manciniとオードリー・ヘプバーンの関係は、「ティファニーで朝食を」だけにとどまらなかった。 1967年の「いつも2人で（Two for the Road）」でも共演した後、1979年の「ブルーミング」でも仕事をともにした。しかしその中で特に記憶すべきは、二人の最後のコラボレーションとなった1979年の「続・ピンクパンサー（The Return of the Pink Panther）」ではなく、オードリーの長年の音楽的パートナーとしてManciniが果たした役割だ。オードリーはManciniについてこう語っている——「彼は俺のためだけに書いた（He wrote just for me）。彼の音楽は私の声と私の感情の両方を理解していた」。二人は長年の友情を育んだ。Manciniがコンサートを行う際、オードリーが客席にいることは珍しくなかった。「ムーン・リバー」が演奏されるたびに、二人の間に流れる特別な感情があったと、当時の関係者は語っている。 🏆 アカデミー賞4冠の全記録——映画音楽の殿堂 Henry Manciniのアカデミー賞受賞歴を整理すると、その偉大さの輪郭が見えてくる。第1回受賞（1962年）：「ティファニーで朝食を」——最優秀ドラマ・コメディ映画音楽賞第2回受賞（1962年）：「ムーン・リバー」——最優秀オリジナル歌曲賞第3回受賞（1963年）：「酒とバラの日々」——最優秀オリジナル歌曲賞第4回受賞（1983年）：「Victor Victoria」——最優秀オリジナル音楽スコア賞ノミネート回数は18回。受賞4回。受賞率は約22%——これは映画音楽の世界では非常に高い数字だ。 ...

: 🇺🇲　Chapter 1 | From Little Italy, Cleveland to the Heights of Hollywood: The Miracle Music Life of Henry Mancini　〜　 | "In That Movie Theater, I Saw Music and Image Merge": The Decision an 11-Year-Old Made for Life　　　　　　　

2026/8/25

April 16, 1924. The Little Italy neighborhood of Cleveland, Ohio. A boy was born, named Enrico Nicola Mancini. His parents, Quintiliano — known as Quinto — and Anna Mancini, had emigrated from the Abruzzo region of Italy. Quinto worked at the Jones and Laughlin Steel Company by day, and in his spare time played flute and piccolo in a local Italian immigrant band called the Sons of Italy. Anna kept the household. This father, and the sound of that flute, was where everything began. The boy would eventually Anglicize his name to Henry, ...

: 🇺🇲　第1章｜クリーブランドのリトル・イタリーから、ハリウッドの頂点へ——Henry Manciniという奇跡の音楽人生〜｜「映画館で、音楽が映像と溶け合う瞬間を見た」——11歳の少年が決めた、一生の仕事　　　　　　

2026/8/25

1924年4月16日、オハイオ州クリーブランドのリトル・イタリー地区。エンリコ・ニコラ・マンシーニという名の男の子が生まれた。両親のクイント（クインティリアーノ）とアンナ・マンシーニは、イタリアのアブルッツォ地方から移民としてアメリカに渡ってきた夫婦だった。父クイントはジョーンズ・アンド・ラフリン製鉄会社で鉄鋼労働者として働きながら、休日には「Sons of Italy（イタリアの息子たち）」という地元のイタリア系移民バンドでフルートとピッコロを演奏していた。この父の姿が、すべての始まりだった。エンリコは後に「Henry」という英語名を使うようになり、20世紀を代表する映画音楽作曲家として世界に名を刻む。「ムーン・リバー」「ピンク・パンサーのテーマ」「ピーター・ガンのテーマ」——これらの曲を知らない人はいないが、その作曲家の名前を知っている人は意外と少ない。しかしHenry Manciniが音楽界に残した革命は、映画音楽の歴史を根本から変えるものだった。アカデミー賞4回受賞。グラミー賞20回受賞（追加でグラミー生涯功労賞）。ゴールデングローブ賞受賞。グラミー賞72回ノミネート。アカデミー賞18回ノミネート。90枚以上のアルバム録音。この数字の背後にある人間の物語を、この章では辿っていく。 🏭 鉄鋼の街アリクィッパ——音楽が芽吹いた場所クリーブランドで生まれたHenryは、間もなく家族とともにペンシルベニア州ウェスト・アリクィッパという小さな製鉄の町へ移り住んだ。アリクィッパはピッツバーグの郊外に位置する、典型的なアメリカの工業都市だった。鉄鋼工場の煙突が空を灰色に染め、移民労働者たちが肩を並べて暮らす街。豊かではなかったが、コミュニティの絆は強かった。父クイントは昼間は工場で重い鋼鉄を相手に働き、夜は家でフルートを手に取った。パッチーニやロッシーニのイタリアオペラのメロディーが、小さな家の中に流れた。「Sons of Italy」バンドの練習で仲間が集まると、その音楽はさらに賑やかになった。 Henryが8歳のとき、父は息子にピッコロのレッスンを始めさせた。これは「勧め」ではなく、ほぼ「命令」だった。クイントは息子に教師になってほしいと願いながらも、音楽を学ばせることへの強い信念を持っていた。父と息子は「Sons of Italy」バンドで一緒にフルートを演奏するようになった——父の夢は、息子と音楽を共有することだった。 12歳になると、Henryはピアノのレッスンも始めた。先生は地元のスタンレー・シアターのピットバンドを指揮する、マックス・アドキンスという人物だった。「マックス・アドキンスは俺の人生で最も重要なインスピレーションだった」——Henry Manciniは後年、一貫してそう語り続けた。 🎬 映画館での「啓示」——11歳の少年が見た未来 1935年、11歳のHenryにとって決定的な瞬間が訪れた。セシル・B・デミル監督の映画「十字軍」（The Crusades）を地元の映画館で見たとき、Henryは圧倒された。しかし彼を圧倒したのはスクリーンの映像ではなく、スコアを書いたオーストリア系作曲家ルドルフ・G・コップの音楽だった。「最初、俺はオーケストラがどこに座っているか不思議だった」とHenryは後に書いている。「あの音がどこから来るのか、わからなかった。それから気づいた——音楽は、俳優の声や効果音と一緒に、すでにフィルムに録音されているんだということを」。この瞬間、少年の脳裏に一つの閃きが走った——「俺は映画のために音楽を書きたい」。それ以来、Henryは映画館に通い続けた。スクリーンの映像を見ながら、その背景に流れる音楽の仕組みを独学で分析し始めた。どのシーンでどんな楽器が使われるか、感情の変化に合わせて音楽がどう変化するか——少年は「音楽の設計図」を読み解く眼を育てていった。マックス・アドキンスの指導のもとで、Henryは本格的な音楽理論と編曲の勉強を始めた。最初は単純な楽譜の書き方から、やがて本格的なオーケストレーションの技法へ。アドキンスは「スタンレー・シアター」のバンドのために書いたHenryの編曲を実際に使い、少年は自分の書いた音楽が生演奏される喜びを知った。高校時代、Henryはすでに「将来は映画音楽の作曲家になる」という明確な目標を持っていた。 🎓 ジュリアードとベニー・グッドマン——夢への第一歩 1942年、アリクィッパ高校を卒業したHenryは、まずカーネギー工科大学（現カーネギーメロン大学）に入学した。しかし同年、より高度な音楽教育を求めてニューヨークのジュリアード音楽院への入学を果たした。これは並外れた才能の証明だった。ジュリアードはアメリカで最も権威ある音楽学校の一つ。ペンシルベニアの製鉄の街から出てきた移民の息子が、奨学金を得てここに入学したという事実が、彼の音楽的な天才性を物語っている。ジュリアードで学ぶ計画は、Henryにとって夢の実現への重要な一歩だった。作曲と管弦楽法を専門的に学び、プロの作曲家への道を歩む——そのはずだった。しかしここで、歴史が割り込んでくる。ジュリアードに入学して約1年後の1943年、Henryに召集令状が届いた。第二次世界大戦のただ中にあったアメリカは、若者たちを次々と戦場へ送り出していた。 ...

: 🇺🇲　🎷Mellow Soprano Dissolving in the Twilight: The Nostalgia of Spyro Gyra’s "Havana Moonlight"

2026/8/23

1999, Got The Magic- Spyro Gyra , Songwriter . saxophone ,： Jay Beckenstein , guitar- Julio Fernandez , keyboard - Tom Schuman , drums- Joel Rosenblatt , bass- Scott Ambush , saxophone , flute- Scott Kreitzer 🏖️ Introduction: A Saxophone Melts into the Late Summer Dusk The passage of seasons is often captured most vividly by a single record or a haunting melody. As the fierce heat of summer begins to fade and the evening sky transitions into deep violet, the music we crave is Spyro Gyra’s "Havana Moonlight." Featured as ...

: 🇺🇲　黄昏に溶ける熟成のソプラノ――Spyro Gyra『Havana Moonlight』が描くノスタルジー

2026/8/22

1999, Got The Magic- Spyro Gyra , Songwriter , saxophone , ： Jay Beckenstein guitar- Julio Fernandez , keyboard - Tom Schuman , drums- Joel Rosenblatt , bass- Scott Ambush , saxophone , flute- Scott Kreitzer , 🏖️　夏の終わり、夕闇に滲むサックスの音色季節の移ろいというものは、時に一枚のレコードや一曲のメロディによって鮮明に手元へ引き寄せられることがある。夏の終わりが近くなった夕暮れ時。心地よい潮風と、次第に紫紺へと染まっていく空を見上げるとき、耳に引き寄せたくなるのはSpyro Gyra（スパイロ・ジャイラ）の『Havana Moonlight』だ。 1999年にリリースされたアルバム『Got the Magic』の3曲目に配されたこのインストゥルメンタル・トラックは、終わりの近い夏の夕方にこれ以上なくフィットする極上のフュージョン・ナンバーである。結成から長きにわたり、第一線でグループを牽引してきたJay Beckenstein（ジェイ・ベッケンスタイン）が奏でるソプラノ・サックスは、南国の温かい湿度を含みながらも、どこか切なく、胸の奥を締めつけるような哀愁を帯びている。 🌿 1979年から20年――『Morning Dance』を経て到達した熟成の境地 Spyro Gyraの名を世界中に轟かせた金字塔といえば、1979年の代表曲『Morning Dance』に他ならない。あの軽快で爽快なアルト・サックスの旋律は、70年代末のフュージョン・ブームの象徴であり、朝の光が射し込むようなフレッシュなエネルギーに満ちあふれていた。しかし、そこから20年の歳月が流れた1999年の『Havana Moonlight』で聴けるのは、円熟味を増したJay Beckensteinの深みあるブロウだ。かつての「朝の眩い光」から「夕暮れの深みのある影」へ。同じ南国の情緒を描きながらも、ここにはキャリアを積み重ねた者だけが醸し出すことのできる、豊かな余韻と大人の余裕が漂っている。彼が手にしているソプラノ・サックスは、甘美でありながらも決して滑りすぎず、フレーズの語尾ひとつひとつに人生のグラデーションを感じさせるのだ。 🎵音楽的ルーツ：オペラ歌手の母、ジャズに狂狂した父、そしてDizzy Gillespieとの出会い Jay Beckensteinの表現する音色の豊かさを紐解くには、彼の類まれなるバックグラウンドに目を向ける必要がある。ニューヨークのロングアイランドにてユダヤ系の家庭に生まれた彼は、オペラ歌手である母ロレインから歌心と声楽的な美意識を学び、ジャズを愛する父レナードからは赤ん坊の頃からチャーリー・パーカーやレスター・ヤングを聴かされて育った。7歳でサックスを手にした彼は、高校時代をドイツのニュルンベルクで過ごすという多感な時期を経て、バッファロー大学にて音楽の学位を取得する。大学時代には、あの伝説的トランペッター、ディジー・ガレスピーが大学バンドでプレイした際、共にステージに立つという奇跡的な経験も果たしている。オペラのドラマチックな抒情性と、ビバップから受け継いだジャズの精緻な語り口。さらには16歳の才能あふれるキーボーディスト、トム・シューマンとの出会い。資金難から一度は諦めかけたデビュー作が口コミで10万枚を売り上げ、1979年の大ブレイクへと繋がっていく波乱万丈の歩みこそが、彼のサックスに圧倒的なストーリー性を与えているのだ。 🌱ジャンルを超えた真価：Dream Theaterとの共演が証明する圧倒的な存在感 Jay Beckensteinのサックスの魅力は、フュージョンという枠組みだけには収まらない。彼はプログレッシブ・メタル最高峰のバンド、Dream Theater（ドリーム・シアター）の名曲『Another ...

: 🇺🇲　Chapter 2 | A Melody That Traveled the World: The Voices Bacharach Gave His Songs To 〜 | Karen Carpenter's Whisper, Tom Jones's Roar, Aretha's Soul: The River Called Bacharach 〜| From "Raindrops Keep Fallin'" to "Arthur's Theme": The Path to the Top of Film Music

2026/8/25

One way to understand the scale of Burt Bacharach's achievement is simply to list who sang his songs. Dionne Warwick. Dusty Springfield. Tom Jones. Cilla Black. The Carpenters. Aretha Franklin. Elvis Presley. The Beatles. Gene Pitney. Jackie DeShannon. B.J. Thomas. Herb Alpert. Christopher Cross. Elvis Costello. This is not a list of cover artists. Each of these names represents one of the defining voices of their era, and each of them recorded at least one Bacharach song that became essential to their own story. No single composer in the history of twentieth-century popular music ...

: 🇺🇲　第2章｜世界を渡り歩いたメロディ——Bacharachが届けた、1000人の歌声〜｜カーペンターズの囁き、トム・ジョーンズの咆哮、アレサの魂——Bacharachという名の川〜｜「雨にぬれても」から「アーサーのテーマ」まで——映画音楽の頂点に立った男の軌跡

2026/8/27

Burt Bacharachの偉大さを理解する一つの方法は、彼の曲が誰によって歌われたかを並べてみることだ。 Dionne Warwick、Dusty Springfield、Tom Jones、Cilla Black、Carpenters、Aretha Franklin、Elvis Presley、The Beatles、Gene Pitney、Jackie DeShannon、B.J. Thomas、Herb Alpert、Bobbie Gentry、Christopher Cross、Elvis Costello——。この名前のリストは、単なる「カバーアーティストの一覧」ではない。それぞれが時代を代表する歌手であり、それぞれがBacharachの曲によって自身のキャリアの重要な1ページを刻んだ。一人の作曲家が、これほど多くの、これほど多様な声に「その人の代表曲」を提供した例は、20世紀ポップス史の中でも類を見ない。レコーディング・アカデミーが2008年に「音楽界で最も偉大な存在感を持つ作曲家」と呼んだ人物。図書館議会のガーシュイン賞を、Hal Davidとともに作詞作曲コンビとして初めて受賞した人物。 Burt Bacharach。第2章では、彼の曲が誰の手で輝いたか、そしてその曲がいかに映画の世界でも頂点を極めたかを辿る。 🌹 Tom Jones——「What's New Pussycat?」という爆発まず、最も意外かもしれない組み合わせから始めよう。 1965年、ウッディ・アレン監督の映画「What's New Pussycat?」。この映画のために書かれた主題歌を歌ったのが、ウェールズ出身のパワフルなテノール、Tom Jonesだった。「What's New Pussycat?」は、BacharachのポップスとTom Jonesの豪快なボーカルが、最高の形で化学反応を起こした一曲だ。冒頭の「Whooooa, whoa-whoa-oh!」という独特のスキャットは、Tom Jonesのトレードマークの一つとなり、世代を超えて語り継がれることになった。この曲はアメリカのBillboard Hot 100で最高3位を記録し、Tom Jonesのアメリカでのキャリアを一気に押し上げた。アカデミー賞「最優秀主題歌賞」にもノミネートされた。しかし実は、この曲の起源には少し不思議なエピソードがある。もともとTom Jonesではなく、別の歌手のために書かれる予定だったという説がある。最終的にTom Jonesの声と出会ったとき、BacharachとDavidは「これ以上の声はない」と直感した——そのキャスティングの正確さが、曲の完成度を決定した。 Bacharachは後にTom Jonesについてこう語っている——「彼の声は信じられないほどパワフルで、しかし細部のコントロールが素晴らしい。あのサビの上昇するメロディラインを、Tom以外で歌える人間はほとんどいないだろう」。 🌸 Cilla Black——「Anyone Who Had a Heart」という奇跡の逆転音楽史には、「本来の版ではなくカバー版の方が先に大ヒットした」という皮肉な逆転劇がいくつかある。「Anyone Who Had a Heart」はそのもっとも有名な例の一つだ。この曲は1963年、Dionne Warwickのために書かれた。DionneのバージョンはアメリカでBillboard Hot ...

: 🇺🇲　Chapter 1 | "I Just Wanted to Write Beautiful Melodies": Burt Bacharach, Hal David, and the Golden Age　〜 | From Marlene Dietrich's Musical Director to Three Academy Awards: Bacharach's Career and the Secret of His Composition

2026/8/25

May 12, 1928. Kansas City, Missouri. Burt Bacharach was born into a world that had no idea what was coming. His father Bert was a syndicated newspaper columnist, and the family soon relocated to the Forest Hills section of New York City. The man who would become one of the most influential composers in the history of popular music spent his boyhood dreaming of becoming a football player. His mother Irma would not allow it. Irma was herself an amateur songwriter and musician. She insisted her son take lessons in cello, ...

1 2 3 … 259 Next »